City Screen 2023

Este video involucra a 30 personas de origen cubano que viven en las cercanías de las montañas de la Sierra Maestra, un lugar históricamente significativo en la Revolución Cubana. Estos habitantes recrean el paisaje sonoro revolucionario utilizando objetos y materiales encontrados en sus entornos precarios. El proyecto busca exponer la brecha entre la ideología política pasada y la realidad actual de desencanto y decadencia, creando un contraste entre lo que se ve y lo que se escucha en un contexto de valores éticos y estéticos desfasados.

‘Fuel to Fire’ es un vídeo que lleva al espectador a un ‘pagamento’ o devolución de oro a un cuerpo de agua. Este ritual se realizó por el bienestar y conservación del ‘Páramo de Santurbán’, un ecosistema ubicado en el noroeste de Colombia, que alberga grandes y codiciados yacimientos de oro. El ‘pagamento’ es un protocolo indígena, que mantiene el flujo y equilibrio de los ciclos de vida en la tierra. Cuando ocurre la acumulación, llega la enfermedad, por lo que es necesario retribuir dejando ir algo que es querido, que implica trabajo o que es altamente simbólico.

Homeland está a la vanguardia de un próspero grupo de artistas / cineastas en las Midlands irlandesas. Este fenómeno creciente se ve obstaculizado por la falta de lugares adecuados, donde el cine artístico pueda ser mostrado y difundido a un público exigente. Financiado por los County Councils, Visual Artists Ireland y el Arts Council Ireland.

Carmen Mariscal (Palo Alto, California, EUA, 1968) es una artista franco-mexicana, cuya formación artística se tejió entre Inglaterra y Méjico. En su instalación ‘Tláloc, Contadero’ presenta películas y fotografías de su encuentro con el último proceso de destrucción de la casa de su infancia en la Ciudad de México. Con este trabajo aborda la cuestión de la memoria a través del concepto de hábitat (o vivienda). Para ella, el primer hábitat del ser humano es su cuerpo, seguido de la ropa que lleva, así como las casas, las ciudades y los espacios públicos que lo contienen.

Uno de los grandes compositores experimentales de nuestro tiempo, Phill Niblock (Indiana, EE.UU., 1933) ha producido a lo largo de sus sesenta años de carrera música minimalista, cine estructural, performances de danza, teatro improvisado, arte sistemático y fotografía etnográfica. Desde 1985, Niblock ha sido director de Experimental Intermedia, una fundación para la música de vanguardia con sede en Nueva York, y comisario del sello discográfico de la fundación. Para esta primera exposición individual de Phil Niblock en España, presentaremos algunas series icónicas de sus fotografías y películas.

«Nocturno del agua» es una exposición que evoca el paisaje nocturno de un río en el que alguien ha lanzado un hechizo. Todo aquel que le cruze, quedará sometido a él, como hipnotizado, y encontrará, tal vez, en las formas del agua, respuestas sabias e indescifrables sobre los misterios de la vida, la muerte y el más allá.

Eden y Babylon 2023 es la respuesta audiovisual uni-canal de Rob Garbutt, con texto adjunto, a Eden Creek en el noreste de NSW, Australia. La obra explora los límites del lenguaje visuales, sonoros i escritos para comprender un terreno que dista mucho de ser sólido; creado durante eones, esta tierra está íntimamente comprendida por la gente Bundjalung de las First Nations por el conocimiento desarrollado durante milenios, pero radicalmente transformada por colonos del Reino Unido durante los últimos 180 años. Descendiente de estos colonos, Rob se esfuerza por expresar una conexión con la fluidez balbuceante de Eden Creek.

“Stabat Mater” es una película sobre la maternidad y la separación construida sobre la repetición de una película de dieciocho segundos. El retrato desnudo de la propia artista es una pintura del ex marido de la artista. El audio de la película es la mezcla del diálogo entre la hija de la artista y el ex marido de la artista, con el primer movimiento del Stabat Mater de Pergolesi. El texto del diálogo se superpone a las imágenes en gran tamaño y se va reduciendo con cada repetición hasta desaparecer, mientras las voces se apagan y la música toma protagonismo.

Cordova se complace en presentar Tassili, una película e instalación escultórica de la artista Lydia Ourahmane. Se trata de la primera presentación de la película de Ourahmane en España. La obra estará expuesta durante una semana, del 11 al 18 de noviembre. Tras un primer viaje de exploración, Lydia Ourahmane se embarcó en un viaje de 13 días con un equipo de colaboradores, amigos y guías locales, acompañados por veinte burros. El grupo exploró la inmensidad de esta árida meseta, experimentando las condiciones hostiles de este territorio de difícil acceso debido a las restricciones militares y gubernamentales. Las imágenes nocturnas y diurnas de este paisaje lunar y sus pinturas milenarias rodadas en 4K, una tecnología digital calificada de ultra alta definición, sorprenden por su hiperrealismo, cuestionando el potencial de este vertiginoso e hipnótico deambular para captar el encuentro con un lugar cargado de historia y espiritualidad.

Un árbol que vio pasar la historia, vio la creación de un mundo, vio los primeros indígenas Mapuches pasar el tiempo bajo su sombra, vio las primeras guerras entre colonizadores, un árbol que habla con sus ramas. La cámara recorre su piel, su tronco y su íntima y poderosa historia, lentamente hasta descubrirlo en su inmensidad. Conocido como Lañilawal o Alerce Milenario, podría ser el árbol más antiguo del planeta. Un investigador estima que creció hace más de 5.000 años, mucho antes de la construcción de la Gran Pirámide de Guiza. Stephanie Pappas.

Existe la teoría de que la polilla, durante la noche, se guía por la luz de la luna, un viaje casi espiritual, inalcanzable e inconcebible impulsado por la biología. La luz artificial de una bombilla confunde a la polilla y cae fácilmente en la trampa de luz colocada por el biólogo. A partir de un viaje al Amazonas, Grados de ser presenta una instalación de vídeo y audio que interroga la relación cambiante entre los humanos y la naturaleza.

Un árbol que vio pasar la historia, vio la creación de un mundo, vio los primeros indígenas Mapuches pasar el tiempo bajo su sombra, vio las primeras guerras entre colonizadores, un árbol que habla con sus ramas. La cámara recorre su piel, su tronco y su íntima y poderosa historia, lentamente hasta descubrirlo en su inmensidad. Conocido como Lañilawal o Alerce Milenario, podría ser el árbol más antiguo del planeta. Un investigador estima que creció hace más de 5.000 años, mucho antes de la construcción de la Gran Pirámide de Guiza. Stephanie Pappas.

Love Collapse es una instalación site specific que surge de la colaboración entre lxs artistxs Nathalie Rey, Enric Maurí y la teórica Federica Matelli. En este sentido, representa un experimento de comisariado inverso, en el cual a partir de un texto escrito por la comisarix sobre el deseo y el amor mediados por la tecnología, el dúo de artistxs ha creado la obra inédita que podemos apreciar en el Espai Souvenir.

La exposición mostrará varias obras del artista Claudio Zulián. Las piezas de este proyecto abordan diversas cuestiones. Algunas tratan sobre diferentes colectivos en riesgo de exclusión social, otras de grupos que reivindican sus derechos y otras que se dirigen a los recien llegados de diferentes países.

En la película Silent Movie (1976) un director de cine realiza una llamada telefónica a Marcel Marceau para pedirle que protagonice una película de cine mudo. El mimo mundialmente famoso coge el teléfono y grita «¡No!». Treinta y cinco años más tarde, el mismo truco es repetido por Cesar, el chimpancé protagonista de El Origen del Planeta de los Simios (2011). El que fuera previamente un animal mudo agarra de repente la picana de las manos de su carcelero humano y grita «¡No!».

Por medio de una pieza autobiográfica la autora explora la poética de la imagen oculta –ocultada– en un espacio de tensión que debate el deseo de recordar frente al derecho al olvido en relación a los acontecimientos políticos de su país de origen, Irán. Con un lenguaje extremadamente austero, en un vídeo acompañado de dibujos, la autora lleva la imagen a sus límites, interrogándola entre lo expuesto y lo que se oculta. Tanto en los dibujos borrados, como en el videotestimonio sobre las fotografías familiares no expuestas, el denso vacío se traduce en una materia de alta carga simbólica.

La mente adopta la forma del objeto externo, igual que el agua que sale de un deposito adopta la forma de la acequia. OTRORA es un video-instalación de la artista argentina Florencia Ramón. La obra se construye en la intersección entre el color, el cuerpo y la naturaleza. Florencia se aproxima a sus creaciones desde las técnicas de site specific, land art y la composición instantánea. Utiliza el formato video como contenedor para exponer un extracto de sus investigaciones y exploraciones en torno al movimiento, la improvisación y el estado presente.

El Capitán inspecciona la nave…la cubierta brilla bajo el sol de poniente. En diagonal, con reflejos dorados. Emerge sobre las aguas hacia una nueva singladura. Falsa, ortogonal y poliédrica… La realidad tal como la conocía ya no volverá a ser vivida. La tripulación acaba adormecida…Él solo, con su nave a la deriva… Navega hacia el infinito. Y…más allá…si pudiese.

«El Sopar» de Pere Portabella, rodado el mismo día de la ejecución de Salvador Puig Antich, reúne a cinco presos políticos que discuten sus experiencias penitenciarias. El montaje experimental del filme explora la interacción entre poder, cultura y política durante una transición histórica en España. En 2018, Portabella añadió una entrevista con Oriol Arau, abogado de Puig Antich. La obra, en conjunción con los trabajos de Antoni Tàpies y Joan Miró, no solo representan las luchas de una sociedad estrechamente condicionada por su realidad política, sino que también hace evidente cómo la práctica artística sirve como un potente dispositivo político.

Fue creado al adjuntar un escáner láser a un automóvil que se condujo por todo el centro de Manila durante el bloqueo pandémico. El escáner láser proyectó cuadros animados de un perro corriendo sobre los edificios y autos, superponiendo un perro «virtual» en el entorno físico de la ciudad. En el momento de su creación, la ciudad estaba bajo toque de queda a las 8 pm, las calles estaban vacías y uno solo podía imaginar estar afuera vagando libremente por las calles como lo hacen los animales. En su lugar, todos estaban «conectados» dentro usando varios medios tecnológicos

El Ring, instalación/espectáculo multimedia, en el que Julián Álvarez combinó la danza, el teatro y el video, en el que desarrolló una innovadora técnica en la que acoplaba una mini cámara en las manos de los bailarines/boxeadoras con las que se grababa la acción, al mismo tiempo que se proyectaban en una series de monitores que estaban repartidos por las esquinas del cuadrilátero. El Ring fue presentado en 1988 en el Mercat de les Flors de Barcelona, y se convirtió en materia artística para un nuevo proyecto videográfico que presentamos en la exposición, junto a fotografías, dibujos, planos y documentos

En su trabajo actual, que comenzó durante una residencia en Hangar en 2022, Janine Maria Schneider fotografía a empleadas de instituciones culturales. La directora del Pabellón de España en la parte delantera y trasera del edificio, Guernica, y las huellas de un vagabundo aparecen. El espacio, dice como testimonio del tiempo. En el marco del Loop Video Festival, Janine Maria Schneider muestra esta obra como parte de un vídeo en el que habla de la política del espacio, de las personas infrarrepresentadas en nuestra sociedad y de nuestra responsabilidad ante la historia.

In his treatise on melancholy, Aristotle distinguished between symmetrical and asymmetrical humors. Whether melancholy was a disease or a quality of extraordinary men depended on the preeminence of one or the other. XXX, I is a journey along a mysterious road that explores the relationship between symmetry and its rupture; a journey through melancholy.

La «Zona Franca», l’antiga zona comercial de la indústria tradicional, i el nou espai del capitalisme logístic i tecnològic formen, com ja suposava, principalment part d’un gran negoci immobiliari, protesti pel paraigua de La renovació postindustrial de Barcelona. Per tant, quins guanys econòmics i simbòlics generen i a qui reverteix? Quins avantatges obtenen les empreses i institucions d’aquesta simbiosi? I què passa amb els treballadors? Ara mateix ens estem preparant per sortir del moll de càrrega i per entrar al call center.

En su práctica cinematográfica, Leyli Alakbarova investiga la influencia del lugar de nacimiento en el desarrollo de la forma en que percibimos el mundo. En concreto, los videos presentados en el marco del festival Loop exploran el efecto a largo plazo que, en la gente de Azerbaiyán, tuvo haber formado parte de la Unión Soviética. En los videos vemos escenas cotidianas, situaciones domésticas, instituciones educativas y el papel que los mismos jugaron en la vida de las personas en Azerbaiyán en los años 80 y 90, bajo el régimen de la Unión Soviética y su posterior colapso.

ProjecteSD se complace en presentar PROJECTIONS, un ambicioso proyecto de video proyecciones con obras de tres artistas de gran talla internacional y con sobrada experiencia en la producción video-filmográfica: Manon de Boer, Dora García y Rosalind Nashashibi. No se trata de una exposición en la que se presentarán las obras de forma simultánea, sino de un programa en el que cada proyección tendrá su espacio y su tiempo aisladamente. La idea es otorgar a cada obra el espacio necesario para que la audiencia interesada pueda visionarla con máxima concentración.

Pista de aterrizaje se desarrolla en Karakam, una comunidad de la nacionalidad indígena Achuar en el Oriente ecuatoriano. Los Achuar han habitado dicho territorio de manera nómada desde tiempos ancestrales. Con la construcción de la pista de aterrizaje, varias familias se han establecido de manera permanente en sus alrededores.

Situar el cuerpo en el centro, pero no para categorizarlo y fijarlo, sino para generar un movimiento de digresión, una tentativa por pensar formas desde dónde constituirlo. Imágenes que, en sus colisiones y vibraciones, también quiere cohesionarse como un cuerpo significante, imágenes, por otra parte, que son acogidas por nuestros cuerpos en sus múltiples resonancias. Atravesar el espacio de la galería como un pasaje de imágenes que se levantan abiertas y en el que mirar significa también el encuentro con un límite o una fractura, una apertura donde los cuerpos toman posición, sin conciliar su desajuste.

«Un_i[n]verso» es una escultura audiovisual que combina sonido, video, esculturas de varillas de hierro, luces y sombras en una instalación site specific. Explora el concepto de la materia, fusionando diversos tipos de medios para crear una forma artística en la que el espectador experimenta una totalidad cohesionada. El trabajo lleva al espectador en un viaje dramatúrgico, partiendo de paisajes digitales macroscópicos, adentrándose en ciudades deconstruidas y flotando entre la realidad y la imaginación en un constante y lento acercamiento.

Intermitente es una señal de alerta, y también es un tipo de contrato laboral español. Es el ritmo de una artista que hace malabarismos con su práctica artística y otro trabajo. Intermitente es la primera exposición individual de Maíra das Neves en Barcelona, donde presentará sus obras más recientes: el video -ensayo Vida Útil, una fotografía de autorretrato, y los oscuros grupos de acuarela Días Laborales. Intermitente ofrece una perspectiva subjetiva desde la experiencia personal como trabajadora del cognitariado, la clase proletaria del capitalismo tardío y su economía de datos.

Simona Žemaitytė (1984)artista y cineasta lituana. Su obra fue premiada en la 15ª Trienal de Grabado de Tallin y nominada en el Sheffield Doc Fest. Ha expuesto internacionalmente, entre otros lugares, en Oberhausen, 13ª Bienal de Kaunas; Centrala Birmingham, Kasa Gallery Estambul; Galata Perform Estambul; BAFTA, RichMix, Londres, CAC Lituania; Galerías Vartai, Malonioji y Kaire-Desine en Vilna; Riga Cinema Shorts; exposición itinerante CreArte en Pardubice, Linz, Génova. Recientemente (abril de 2024) defendió su tesis doctoral en la Academia de las Artes de Vilna. Imparte clases en la Academia de Arte de Vilna. Vive y trabaja en Londres y Nápoles.

Inteligencia artificial vs. pintura sobre lienzo, un debate y una conversación activa y latente, constante y limitada por la temporalidad espacial del entorno físico.

Sobre un pentagrama se van sucediendo 25 “Postales Sonoras” que dan cuenta de la identidad sonora de la isla de Ibiza. Una pluralidad audiovisual que trabaja la superposición sonora y visual. Las “Postales Sonoras” son fragmentos significativos que surgen al fijarse en las lógicas del espacio, de las dinámicas de comportamiento, del discurrir de la vida cotidiana, una recolección que surge del trabajo de campo al registrar los paisajes sonoros e imágenes, a partir del registro de un diario audiovisual durante 70 días en la isla de Ibiza. Las piezas reproducen un espacio propio y practicado en Ibiza, para crear un espacio inventariado, que permite constatar las distintas sonoridades, que al escucharlas, aprehenderlas, y manipularlas para transformarlas se conviertan en una invitación a una particular interpretación para que el espectador se lo haga propio.

Zielinsky se complace en presentar “La herida, la venda, la cura”, una exposición individual de Sandra Monterroso (1974, Ciudad de Guatemala). Monterroso ha desarrollado una práctica artística en la que se compromete por restaurar su herencia cultural y ancestral como artista Maya. Su investigación toma conciencia tanto de la realidad política actual como de la historia de las violencias en Guatemala –racial, social y de género–, bien cómo de las estructuras de poder heredadas del colonialismo para, desde un conocimiento situado, “sanar las heridas coloniales por medio del arte y de los rituales Mayas y de otras culturas”.