City Screen 2023

Aquest vídeo implica 30 persones d’origen cubà que resideixen prop de les muntanyes de la Sierra Maestra, un lloc històricament significatiu en la Revolució Cubana. Aquests habitants recreen el paisatge sonor revolucionari utilitzant objectes i materials trobats en els seus entorns precaris. El projecte busca exposar la bretxa entre la ideologia política passada i la realitat actual de desenganys i decadència, creant un contrast entre el que es veu i el que s’escolta en un context de valors ètics i estètics desfasats.

‘Fuel to Fire’ és un vídeo que porta a l’espectador a un ‘pagamento’ o devolució d’or a un cos d’aigua. Aquest ritual es va realitzar per la benestar i conservació del ‘Páramo de Santurbán’, un ecosistema de páramo situat al noroeste de Colòmbia, que alberga grans i codiciats jaciments d’or. El ‘pagamento’ és un protocol fonamental ecològic i econòmic indígena, que manté el flux i l’equilibri dels cicles de vida a la terra. Quan ocorre l’acumulació, arriba la malaltia, pel que és necessari retribuir deixant alguna cosa que es pregunti, que implica treball o que és altament simbòlic.

Homeland està a l’avantguarda d’un pròsper grup d’artistes / cineastes a les Midlands irlandeses. Aquest fenomen creixent es veu obstaculitzat per la manca d’espais adients, on el cinema artístic es pugui mostrar i difondre’s, a un públic exigent. Finançat per County Councils, Visual Artists Ireland i l’Arts Council Ireland.

Carmen Mariscal (Palo Alto, Califòrnia, EUA, 1968) és una artista franc-mexicana, la formació artística de la qual es va teixir entre Anglaterra i Mèxic. A ‘Tláloc, Contadero’ presenta pel·lícules i fotografies de la seva trobada amb l’últim procés de destrucció de la casa de la seva infància a la Ciutat de Mèxic. Amb aquest treball aborda la qüestió de la memòria a través del concepte d’hàbitat (o habitatge). Per a ella, el primer hàbitat de l’ésser humà és el seu cos, seguit de la roba que porta, així com les cases, les ciutats i els espais públics que el contenen.

Un dels grans compositors experimentals del nostre temps, Phill Niblock (Indiana, EUA, 1933) ha produït al llarg dels seixanta anys de carrera música minimalista, cinema estructural, performances de dansa, teatre improvisat, art sistemàtic i fotografia etnogràfica. Des del 1985, Niblock ha estat director d’Experimental Intermedia, una fundació per a la música d’avantguarda amb seu a Nova York, i comissari del segell discogràfic de la fundació. Per a aquesta primera exposició individual de Phil Niblock a Espanya, presentarem algunes sèries icòniques de les seves fotografies i pel·lícules.

«Nocturn de l’aigua» és una exposició que evoca el paisatge nocturn d’un riu en el qual algú ha llançat un encanteri. Tot aquell qui el creu-hi, hi quedarà sotmès, com hipnotitzat, i trobarà, potser, en les formes de l’aigua, respostes sàvies i indesxifrables sobre els misteris de la vida, la mort i el més enllà.

Eden and Babylon 2023, és la resposta audiovisual uni-canal de Rob Garbutt, amb text adjunt, a Eden Creek al nord-est de Nova Gales del Sud (NSW), Austràlia. L’obra explora els límits del llenguatge (ja siguin visuals, sonors o escrits) per entendre una terra lluny de ser sòlida; una terra en creació al llarg d’eons, íntimament entesa pel poble Bundjalung de les Primeres Nacions a través del coneixement desenvolupat al llarg de mil·lennis i transformada radicalment pels colons del Regne Unit durant els darrers 180 anys. Descendent d’aquests colons, Rob lluita per expressar una connexió amb la fluïdesa balbuceant d’Eden Creek.

“Stabat Mater” és una pel·lícula sobre la maternitat i la separació construïda sobre la repetició d’una pel·lícula de divuit segons. El retrat nu de la pròpia artista és una pintura de l’ex marit de l’artista. L’àudio de la pel·lícula és la mescla del diàleg entre la filla de l’artista i l’ex marit de l’artista, amb el primer moviment del Stabat Mater de Pergolesi. El text del diàleg se superposa a les imatges en grans dimensions i es va reduint amb cada repetició fins a desaparèixer, mentre les veus s’esvaeixen i la música pren protagonisme.

Cordova es complau a presentar Tassili, una pel·lícula i instal·lació escultòrica de l’artista Lydia Ourahmane. Es tracta de la primera presentació de la pel·lícula d’Ourahmane a Espanya. L?obra estarà exposada durant una setmana, de l?11 al 18 de novembre. Després d’un primer viatge d’exploració, Lydia Ourahmane va embarcar-se en un viatge de 13 dies amb un equip de col·laboradors, amics i guies locals, acompanyats per vint rucs. El grup va explorar la immensitat d’aquest àrida altiplà, experimentant les condicions hostils d’aquest territori de difícil accés a causa de les restriccions militars i governamentals. Les imatges nocturnes i diürnes d’aquest paisatge lunar i les pintures mil·lenàries rodades en 4K, una tecnologia digital qualificada d’ultra alta definició, sorprenen pel seu hiperrealisme, qüestionant el potencial d’aquest vertiginós i hipnòtic deambular per captar la trobada amb un lloc carregat d’història i espiritualitat.

Un arbre que va veure passar la història, va veure la creació d’un món, va veure els primers indígenes Maputxes passar el temps sota la seva ombra, va veure les primeres guerres entre colonitzadors, un arbre que parla amb les branques. La càmera recorre la pell, el tronc i la íntima i poderosa història, lentament fins a descobrir-ho en la seva immensitat. Conegut com a Lañilawal o Alerce Mil·lenari, podria ser l’arbre més antic del planeta. Un investigador estima que va créixer fa més de 5.000 anys, abans de la construcció de la Gran Piràmide de Guiza.

Hi ha la teoria que l’arna, durant la nit, es guia per la llum de la lluna, un viatge gairebé espiritual, inabastable i inconcebible impulsat per la biologia. La llum artificial d’una bombeta confon a l’arna i cau fàcilment al parany de llum col·locat pel biòleg. A partir d’un viatge a l’Amazones, Graus de ser presenta una instal·lació de vídeo i àudio que interroga la relació canviant entre els humans i la natura.

El Pelele (Deán Funes, Còrdova, Argentina, 1993) és un artista/personatge, una entitat fantasmagòrica que traspassa dimensions. LA XARXA DEL VENT es configura com un Bestiari. Una selecció d’éssers estranys es presenta com a prova d’una ficció com a component vital d’una dègesi.

Love Collapse és una instal·lació site specific que sorgeix de la col·laboració entre els artistes Nathalie Rey, Enric Maurí i la teòrica Federica Matelli. En aquest sentit, representa un experiment de comissariat invers, en el qual a partir d’un text escrit per la comisarix sobre el desig i l’amor intervinguts per la tecnologia, el duet d’artistes ha creat l’obra inèdita que podem apreciar a l’Espai Souvenir .

L’exposició mostrarà vàries obres de l’artista Claudio Zulian. Les peces d’aquest projecte aborden diverses qüestions. Algunes tracten sobre diferents col·lectius en risc d’exclusió social, d’altres s’ocupen de grups que reivindiquen els seus drets i altres que es dirigeixen a nouvinguts de diferents països.

A la pel·lícula Silent Movie (1976) un director de cinema fa una trucada telefònica a Marcel Marceau per demanar-li que protagonitzi una pel·lícula de cinema mut. El mim mundialment famós agafa el telèfon i crida “No!”. Trenta-cinc anys després, Cesar, el ximpanzé protagonista de L’Origen del Planeta dels Simis (2011), repeteix el mateix truc. Havent estat prèviament un animal mut, de sobte pren la picana de les mans del seu carceller humà i crida “No!”.

Per mitjà d’una peça autobiogràfica l’autora explora la poètica de la imatge oculta en una espai de tensió que debat el desig de recordar front el desig a l’oblit en relació als esdeveniements polítics del seu país d’origen, Iran. Amb un llenguatge extremadament auster i amb un video acompanyat de dibuixos, l’autora porta les imatges als seus limits, questionant allò exposat amb allò ocult. Tant en les dibuixos esborrats com en el video-testimoni sobre les fotografies familiars no exposades, el dens buit es tradueix en una materia d’alta càrrega simbòlica.

La ment adopta la forma de l’objecte extern, igual que l’aigua que surt d’un dipòsit adopta la forma de la sèquia OTRORA és un videoinstal·lació de l’artista argentina Florencia Ramón. L’obra es construeix a la intersecció entre el color, el cos i la natura. Florència s’aproxima a les creacions des de les tècniques de site specific, land art i la composició instantània. Utilitza el format vídeo com a contenidor per exposar un extracte de les seves exploracions i investigacions al voltant del moviment, la improvisació i l’estat present.

El Capità inspecciona la nau… la coberta brilla sota el sol de ponent. En diagonal, amb reflexos daurats. Emergeix sobre les aigües cap a una nova singladura. Falsa, ortogonal i polièdrica… La realitat tal com la coneixia fins ara, ja no tornarà a ser mai més viscuda. La tripulació acaba ensonyada… Ell sol, amb la seva nau a la deriva… Navega cap a l’ infinit. Y… més enllà… si pogués.

“El Sopar” de Pere Portabella, rodat el mateix dia de l’execució de Salvador Puig Antich, reuneix cinc presos polítics que discuteixen les seves experiències penitenciàries. El muntatge experimental del film explora la interacció entre poder, cultura i política durant una transició històrica a Espanya. En 2018, Portabella va afegir una entrevista amb Oriol Arau, advocat de Puig Antich. L’obra, en conjunció amb els treballs d’Antoni Tàpies i Joan Miró, no sols representen les lluites d’una societat estretament condicionada per la seva realitat política, sinó que també fa evident com la pràctica artística serveix com un potent dispositiu polític.

Creat mitjançant la connexió d’un escàner làser a un cotxe que circulava per tot el centre de Manila durant el confinament per la pandèmia. L’escàner làser projectava quadres animats d’un gos corrent sobre els edificis i els cotxes, superposant un gos “virtual” a l’entorn físic de la ciutat. En el moment de la seva creació, la ciutat estava sota toc de queda a les 8 de la tarda, els carrers estaven buits i només es podia imaginar estar fora vagant lliurement pels carrers com ho fan els animals. En comptes d’això, tothom estava “connectat” a l’interior utilitzant diferents mitjans tecnològics.

El Ring, instal·lació/espectacle multimèdia, en què Julián Álvarez va combinar la dansa, el teatre i el vídeo, en què va desenvolupar una innovadora tècnica en què acoblava una mini càmera a les mans dels ballarins/boxejadores amb què es gravava l’acció, alhora que es projectaven en una sèrie de monitors que estaven repartits pels cantons del quadrilàter. El Ring va ser presentat el 1988 al Mercat de les Flors de Barcelona, i es va convertir en matèria artística per a un nou projecte videogràfic que vam presentar a l’exposició, juntament amb fotografies, dibuixos, plànols i documents

A la seva feina actual, que va començar durant una residència a Hangar el 2022, Janine Maria Schneider fotografia empleades d’institucions culturals. La directora del Pavelló d’Espanya a la part davantera i del darrere de l’edifici, Guernica, i les empremtes d’un rodamón apareixen. L’espai diu com a testimoni del temps. En el marc del Loop Video Festival, Janine Maria Schneider mostra aquesta obra com a part d’un vídeo en què parla de la política de l’espai, de les persones infrarepresentades a la nostra societat i de la nostra responsabilitat davant la història.

En el seu tractat sobre la melancolia, Aristòtil distingia entre els humors simètrics i els asimètrics. De la preeminència d’uns o d’altres depenia que la melancolia fos una malaltia o una qualitat pròpia dels homes extraordinaris. XXX, I és un recorregut per una carretera misteriosa que explora les relacions entre la simetria i la ruptura d’aquesta; Un viatge a través de la melancolia.

La “Zona Franca”, l’antiga zona comercial de la indústria tradicional, i el nou espai del capitalisme logístic i tecnològic formen, com ja suposava, principalment part d’un gran negoci immobiliari, protesti pel paraigua de La renovació postindustrial de Barcelona. Per tant, quins guanys econòmics i simbòlics generen i a qui reverteix? Quins avantatges obtenen les empreses i institucions d’aquesta simbiosi? I què passa amb els treballadors? Ara mateix ens estem preparant per sortir del moll de càrrega i per entrar al call center.

A la seva pràctica cinematogràfica, Leyli Alakbarova investiga la influència del lloc de naixement en el desenvolupament de la manera com percebem el món. En concret, els vídeos presentats en el marc del festival Loop exploren l’efecte a llarg termini que, a la gent de l’Azerbaidjan, va tenir haver format part de la Unió Soviètica. Als vídeos veiem escenes quotidianes, situacions domèstiques, institucions educatives i el paper que aquests van jugar a la vida de les persones a l’Azerbaidjan als anys 80 i 90, sota el règim de la Unió Soviètica i el seu posterior col·lapse.

ProjecteSD es complau a presentar PROJECTIONS, un ambiciós projecte de vídeo projeccions amb obres de tres artistes de gran talla internacional i amb sobrada experiència en la producció videofilmogràfica: Manon de Boer, Dora García i Rosalind Nashashibi. No es tracta d’una exposició on es presentaran les obres de forma simultània, sinó d’un programa on cada projecció tindrà el seu espai i el seu temps aïlladament. La idea és atorgar a cada obra lentorn necessari perquè l’audiència interessada pugui visionar-la amb màxima concentració.

Pista d’aterratge es desenvolupa a Karakam, una comunitat de la nacionalitat indígena Achuar a l’Orient equatorià. Els Achuar han habitat aquest territori de manera nòmada des de temps ancestrals. Amb la construcció de la pista d’aterratge, diverses famílies s’han establert de manera permanent als voltants.

Situar el cos en el centre, però no per categoritzar-lo i fixar-lo, sinó per generar un moviment de digressió, una temptativa per pensar formes des d’on constituir-lo. Imatges que, en les seves col·lisions i vibracions, també vol cohesionar-se com un cos significant, imatges, per altra part, que són acollides pels nostres cossos en les seves múltiples ressonàncies. Travessar l’espai de la galeria com un passatge d’imatges que s’alcen obertes i on mirar significa també l’encontre amb un límit o una fractura, una obertura on els cossos prenen posició, sense conciliar el seu desajust.

Un_i[n]verso” és una escultura audiovisual que combina so, vídeo, escultures de ferro corrugat, llums i ombres en una instal·lació específica. Explora el concepte de la matèria, fusionant diferents tipus de mitjans per crear una forma artística on l’espectador experimenta una unitat cohesionada. L’obra emporta l’espectador en un viatge dramatúrgic, començant des de paisatges digitals macroscòpics, endinsant-se en ciutats desconstruïdes i flotant entre la realitat i la imaginació en un constant, lent zoom.

Intermitent és un senyal d’alerta, i també és una mena de contracte laboral espanyol. És el ritme d’una artista que fa malabarismes amb la seva pràctica artística i una altra feina. Intermitent és la primera exposició individual de Maíra das Neves a Barcelona, on presentarà les seves obres més recents: l’assaig de vídeo Vida Útil, una fotografia d’autoretrat, i els foscos grups d’aquarel·la Dies Laborals. Intermitent ofereix una perspectiva subjectiva des de l’experiència personal com a treballadora del cognitariat, la classe proletària del capitalisme tardà i la seva economia de dades.

Simona Žemaitytė (1984)artista i cineasta lituana. La seva obra va ser premiada a la 15a Triennal de Gravat de Tallinn i nominada al Sheffield Doc Fest. Ha exposat internacionalment, entre altres llocs, a Oberhausen, 13a Biennal de Kaunas; Centrala Birmingham, Kasa Gallery Istanbul; Galata Perform Istanbul; BAFTA, RichMix, Londres, CAC Lituània; Galeries Vartai, Malonioji i Kaire-Desine a Vílnius; Riga Cinema Shorts; exposició itinerant CreArte a Pardubice, Linz, Gènova. Recentment (abril del 2024) va defensar la seva tesi doctoral a l’Acadèmia de les Arts de Vílnius. Imparteix classes a l’Acadèmia d’Art de Vilnius. Viu i treballa a Londres i Nàpols.

Intel·ligència artificial vs. pintura sobre llenç, debat i conversa activa i latent, constant i limitada per la temporalitat espacial de l’entorn físic.

Sobre un pentagrama es van succeint 25 Postals Sonores que donen compte de la identitat sonora de l’illa d’Eivissa. Una pluralitat audiovisual que treballa la superposició sonora i visual. Les “Postals Sonores” són fragments significatius que sorgeixen en fixar-se en les lògiques de l’espai, de les dinàmiques de comportament, del discórrer de la vida quotidiana, una recol·lecció que sorgeix del treball de camp en registrar els paisatges sonors i imatges, a partir del registre d´un diari audiovisual durant 70 dies a l´illa d´Eivissa. Les peces reprodueixen un espai propi i practicat a Eivissa, per crear un espai inventariat, que permet constatar les diferents sonoritats, que en escoltar-les, aprehendre-les, i manipular-les per transformar-les es converteixin en una invitació a una interpretació particular perquè l’espectador s’ho faci propi.

Zielinsky es complau a presentar “La herida, la venda, la cura”, una exposició individual de Sandra Monterroso (1974, Ciutat de Guatemala). Monterroso ha desenvolupat una pràctica artística en què es compromete per restaurar la seva herència cultural i ancestral com a artista Maya. La seva investigació pren consciència tant de la realitat política actual com de la història de les violències a Guatemala –racial, social i de gènere–, bé com de les estructures de poder heretades del colonialisme per, des d’un coneixement situat, “curar les ferides colonials per mitjà de l’art i dels rituals Mayas i altres cultures”.