City Screen 2022

“The Smiler” se centra en la idea de construcción y destrucción de un escenario ideal para vivir imaginado por alguien sin hogar. El título es una palabra inventada que se refiere a alguien cuyo trabajo es “sonreír”. El video retrata a un hombre de Senegal que vive desplazado debido a las duras políticas migratorias de Europa. Esta persona actúa manteniendo una sonrisa forzada durante un tiempo indefinido. Con la mirada fija permanentemente en el objetivo de la cámara, los rasgos de su rostro comienzan a experimentar una mezcla incongruente de emociones que generan una sensación de malestar y agotamiento.

Alalimón Galería celebra por segundo año la proyección del programa de vídeo Homeland en el City Screen de Loop Festival, en esta ocasión con la temática «A través de luz y sombra». Les artistas seleccionades para esta edición son: Sarah Edmondson, Eduard Fulop, Stephen Gunning, Niamh McGuinne, Thais Muniz, Mark Kent y Patricia Hurl/Therry Rudin.

La exposición presenta dos obras audiovisuales de la artista conceptual Ángels Ribé: ‘Caminar sobre el hielo’ (2016) y ‘Clouds, Bubles and Waves’ (2019). La primera reposa en el espíritu de resistencia y perseverancia, mientras que la segunda retoma una acción llevada a cabo en 1998 en la que interrumpe el fluir natural del agua de un río. Las relaciones entre naturaleza, geometría, cuerpo y espacio vuelven a revelarse en estos ejercicios aparentemente inútiles pero de gran poder simbólico que, a su vez, evidencian la coherencia de la artista con los ejes temáticos que durante décadas han vertebrado su obra.

A través de una serie de pinturas de pequeño formato y una obra de títeres, Daniela Ortiz (Cuzco, Perú, 1985) narra historias de cómo plantas y animales tropicales, en alianza con comunidades del sur global, se rebelan contra los responsables del colonialismo.

Una selección de trabajos en video sobre el tiempo y la memoria. Cartografías del cuerpo y del territorio.

La exposición «Todo Objeto Repetido Ocupa Un Espacio Único» toma el título de una obra de Pere Noguera, artista que forma parte junto con Pati Hill y Jordi Mitjà de la próxima propuesta de Bombon que se presentará durante el Loop City Screen. La exposición gira en torno a la fotocopia como medio para explorar el potencial de la copia como imagen. (Crédito de imagen: Pati HILL, Untitled (bacon), c.1976-79, xerograph, 29,3 x 22,8 cm. unique/ – Courtesy of Air de Paris)

La práctica artística de Sofía se centra en investigar formas de producir imágenes en el pensamiento, incorporando diversas metodologías que vinculan lo visual con lo sonoro y la acción en un espacio. En ‘Ya ha salido el sol’, revela una mirada contemplativa de la sala de Can Felipa entrelazando diversas capas de sonido, contornos y luces. La muestra registra el intersticio que tiene lugar entre el crepúsculo y la penumbra.

Ābhāsa (Reflejo, Esplendor) 2021, es una obra audiovisual de un solo canal por Emma Walker, el artista multimedia Grayson Cooke y compositor Matthew Engelbrecht. Ābhāsa es la palabra sánscrita para la luz, el brillo y la iluminación, así como la reflexión, la emanación o lo que parece real pero es una apariencia. Estos significados se pueden ver dentro de contextos físicos, psicológicos o espirituales. Filmada a una alta velocidad de fotogramas de 200 y 400 fps y utilizando el lenguaje dramático del claroscuro, la película evoca un espacio meditativo y atmosférico en el que el espectador experimenta un ensueño de tiempo expandido.

Cuatro artistas que trabajan el vídeo y la instalación de forma antagónica. Sus intereses se mezclan y permiten visibilizar el mundo en el que se mueven, un mundo que arroja un conjunto visual desde el que someter a la imagen. Los cuatro parten del deseo de dar sentido a las imágenes, aun sabiendo que no es posible.

Video de danza contemporánea dividido en cuatro capítulos. 1.Primavera 2.Verano 3.Otoño 4.Invierno

«sssssh – ciclo de cine de cámara» es una exposición y ciclo de cine inspirada en los “chamber films” de Maya Deren, una práctica cinematográfica situada entre lo privado y lo público, entre lo amateur y lo profesional. En las obras de las cineastas de esta propuesta, cada film es una cámara que recoge la intimidad del gesto, la fugacidad de un destello. Esta propuesta convierte Chiquita Room en ese lugar que, como escribió Maya Deren, es hogar para el corazón: «el aliento atrapado en la madrugada porque el ojo del corazón vio algo que la mano nunca pudo sostener…».

Moment 2 es una videoinstalación site specific de la artista suiza Deborah Joyce Holman. Es la primera presentación en solitario de la artista en España. La película, de cuatro horas de duración, está protagonizada por la artista e intérprete Rebecca Bellatoni, que recita incansablemente fragmentos de la cargada película de Shirley Clarke de 1967 «Portrait of Jason». La reinterpretación de Holman ofrece una meditación sobre la representación negra queer y la política del rechazo.

deader than dead es una obra escénica multifacética de la coreógrafa, directora, bailarina e intérprete Ligia Lewis. Las actuaciones en Cordova, en Barcelona, son las primeras presentaciones importantes de la obra de Lewis en España. Desarrollado originalmente para Made in L.A. 2020, el trabajo comenzó con una investigación basada en la intriga sobre el deadpan, un manierismo impasible desplegado en forma de comedia con el fin de ilustrar la distancia emocional. Utilizando esta expresión como un tipo de inmovilidad, Lewis desarrolló inicialmente una coreografía para diez bailarines que permanecían expresivamente planos o muertos, resistiendo a cualquier asidero narrativo o representativo ligado a una construcción o progresión climática. Lewis había relegado a Deader than Dead a este rincón de la galería (una especie de espacio «muerto») donde la danza emergería ostensiblemente, aunque muerta en su repetición, limitada en su destino, al rebotar de pared en pared. 20h

Piedra y material reflexiona alrededor de cuestiones vinculadas con las prácticas extractivistas, la transformación del paisaje, los materiales de construcción y los conceptos de especulación y valor —el valor de un paisaje, de una materia prima, de un elemento de construcción o del potencial uso de un solar— en relación a las proyecciones urbanísticas e infraestructuras civiles que, en gran medida, definen el paisaje contemporáneo. La exposición reúne las piezas “El capítulo de los áridos” de Bárbara Fluxá, “El ladrillo que no está” y “RestosMetalV” de Clara Montoya y “Construcción de ausentes” de Rafa Munárriz.

Martha Curti, militante marxista convertida en monja católica, descifró el misterio de los números, ocho es el nuevo principio, el renacer; cuatro, la tierra, las estaciones, los puntos cardinales; cero, la eternidad, el no-ser, la muerte, y sumados hacen doce, la salvación, el orden cósmico. Siguiendo sus múltiples interpretaciones numerológicas, la pieza acumula una simbología que continua en la partitura, una latencia persistente y con-movedora. En esta ocasión, la pieza interpretada por Manuel del Rincón habitará el espacio convertido en una cámara obscura. Un dispositivo de la modernidad que condensa el conocimiento de la realidad, así como su sospecha.

«Señales de Humo» tiene como referencia la historia del explorador P. Fawcett, quien recopiló suficiente información para creer en la existencia de una ciudad perdida en Mato Grosso. En 1926 se adentró en la selva y se perdió en el intento de encontrarla. El viaje que la artista realizó en 2016 fue una forma de dar continuidad a esta búsqueda para poder ver en primera persona esta ciudad perdida. Esto dio origen a una película, una serie de dibujos y objetos. Proyecto realizado para la 32º Bienal de São Paulo – Incerteza Viva

Farnesina Digital Art promueve la excelencia italiana que opera en el sector del arte digital a través de la organización de espectáculos y exposiciones. El proyecto es promovido por el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional con las Embajadas, los Institutos Culturales Italianos e ICE, la Agencia para la Promoción en el Extranjero. En Barcelona cuenta con el apoyo del Instituto Italiano de Cultura, el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional, la Embajada y Consulado de Italia, y Espronceda. La organización y promoción corre a cargo de Immersive Art Experience, Bright Festival con la dirección artística de Stefano Fake.

Commuting Time, o Cum Tempore, C.T. es una instalación de video que sucede simultáneamente en dos galerías. En ellas se rueda, durante toda la exposición y en treinta tomas, una conversación conforme al recurso cinematográfico del plano-contraplano. La peculiaridad de este video es que cada toma está realizada de forma alterna en dos ciudades distintas y grabada, cada una, 24 horas después de la anterior. Entre cada plano, asistiendo a la conversación, se encuentra siempre el artista, para lo que ha de viajar cada día físicamente entre esas dos ciudades.

Esta exposición recoge los trabajos recientes de Andrés García Vidal en torno a la memoria musulmana del sur de la Península, la expulsión de la población morisca y sus implicaciones en la gestión del agua y el diseño del mundo rural contemporáneo, siguiendo la huella sonora dejada en sistemas de regadío y en la tradición oral. Conectando las investigaciones de García Vidal y poniéndolas en relación con el contexto de l’Hospitalet, Mercedes Pimiento desarrollará una segunda etapa centrada en el trazado hidráulico de la ciudad a partir de los vestigios del antiguo Canal de la Infanta. Colaboran: FASE y MAL

Anatomías de piedra, de madera. Iconicidad por entre las columnas del bosque. Forestaciones, reforestaciones de imágenes como animales vivientes. Árboles que trabajan la madera. Árboles visionarios, iconos: entretallas de un imaginario criado por la misma botánica que lo alimenta. Bosques con la sonrisa de la escultura arcaica. Piedras desmoronadas sobre las piedras. Hombres que se hacen tierra y árboles que se hacen hombre. Figuras revertidas de una majestuosidad inacabable. Y tres obras, estas: «Pedra», «Quatre columnes» y «Un capitell», dispuestas a emboscarse. Solo tres obras porque las obras ya no son indiferentes a la cantidad, ya no. Perejaume

La galería Miguel Marcos centra la atención de su exposición en el dibujo de Carlos Franco (Madrid, 1951), profundizando en los mecanismos complejos de la creación, trabajando el boceto como obra final. Las series “Harenes” y “Comidas” se basan en la presencia de la mitología clásica y el surrealismo español. “Agujeros Negros”, marca el paso del pincel suave oriental, a la punta roma de pinceles muy usados. “Diario de la escondida lucha de…” recrea su accidente desde una perspectiva subyacente como raíz de lo visible. La tecnología médica, sirve de desasosegada inspiración para un dibujo llamativo que explota en color.

Anthony Goicolea, artista y fotógrafo estadounidense de origen cubano, invita a los espectadores a ver una película muda inspirada en las impresiones del aislamiento.

«¿Qué hacen con nuestros huesos?” le dice un hombre tehuelche al encontrarse con el conde Henry de La Vaulx profanando la tumba de su primo. Su respuesta fue: “los pondré en Francia dentro de una bella vitrina, en un gran templo que se llama Museo, donde una multitud de visitantes vendrá a admirarlos. Estarán mucho mejor ahí que bajo la tierra”. Duen Sacchi y Mag De Santo retoman aquella pregunta como título de este proyecto, inicio de una investigación desarrollada a partir de la profanación y robo de cuerpos de personas en el siglo XIX que aún siguen insepultos.

Ton Sirera fue una de las figuras importantes de la fotografía española de la segunda mitad del siglo XX. A finales de la década de 1950, experimentó con la fotografía y el cine para revelarnos la belleza formal de la realidad. Sus fotografías y películas de este periodo lo conectan con los debates artísticos de la época, con el informalismo, siendo expuestas en 1960 en la Sala Aixelà de Barcelona.

Cuando todo acaba, siempre queda un after. Después de lo diurno, de los horarios normativos, de lo permitido y de lo productivo, se generan tiempos pluriformes, disonantes, ociosos, pausados y acelerados. En el after, el tiempo y la realidad se deforman. ¿Qué sucede cuando los cuerpos cohabitan fuera y después de los marcos espacio-temporales normativizados? El after se convierte entonces en un ser-estar colectivo más allá de lo concreto y lo finito, abriendo camino a otras formas de relacionarnos. After es una propuesta de La Escocesa que propone el arte como una celebración y la exposición como una fiesta. Un viaje expansivo cuyo fin no es otro que celebrar nuestro propio hacer colectivo.

A veces escucho que una persona soñando es una instalación sonora invisible que trata del momento decisivo de transformación que amenaza la convivencia de la especie humana con su entorno natural y tecnológico. Tomando un momento histórico, el artista conmemora el desarrollo de Covid-19 uniendo El Cuaderno Gris de Josep Pla sobre la gripe española con principios de túnel cuántico. La obra se revela a través del vidrio de la galería que se comunica con los espacios interiores y exteriores y invita el publico a tomar un momento de reflexión sobre su posición en la condenatoria repetición de la historia.

Hitomi se ha escapado de casa para refugiarse en el último cine existente pero abandonado de la ciudad, puesto que su madre está a punto de perder la vista y desea que su hija acuda a un cine antes de que la última sala se extinga. Dentro del cine, la protagonista realizará una introspección personal a través de la pantalla, haciendo un recorrido por sus recuerdos más íntimos. Estas imágenes, fruto de su subconsciente, serán proyectadas gracias a un hombre extraño, quien forma parte del cine y quien, con sus últimas fuerzas, lo hará funcionar, posiblemente, por última vez.

9.11.2022 19.30h: Metàfora presenta dos videoinstalaciones realizadas por dos de las alumnas más prometedoras que tenemos actualmente en el centro. «See /siː/» de Cristina Reid es una exploración de la relación entre las imágenes, la lente y la vigilancia en la sociedad, específicamente la mirada de poder: quién está viendo y qué está siendo visto. Considera las connotaciones políticas, personales, religiosas y tecnológicas de este concepto. Joely Lorenzen presenta «Notre Dame on Fire» y «Entirety», confrontando la construcción del tiempo y dirigiéndose a la multitud como unidad, en un encuadre autobiográfico de la memoria.

Visión maravillosa es un caleidoscopio. Sin límites. Vertical Horizon toma como punto de partida catalítico el evento de una esquina a través de una experiencia escultórica de películas banales de 8 mm para postular una nueva existencia más allá de un marco normativo y totalizador. Los fotogramas concertinados y en expansión, recurrentes y fugaces, se leen verticalmente a través de la memoria, la ausencia y la imaginación. En ausencia el proyecto imagina, “¿quién soy yo a la vuelta de la esquina”? Auralmente, insiste en el derecho de uno a la opacidad como poética contrapuntística de campo abierto. Exhibida en un hotel –una geografía del desplazamiento– abraza la etimología del cine: kinema – moverse.

Esta exposición explora la dicotomía entre los estados físicos y virtuales del ser. Ya sea porque se asocien a la metodología propia de la artista o a su inspiración. Las tecnologías digitales juegan un papel importante en la trayectoria actual del mundo del arte y tienen un fuerte impacto en nuestra forma de expresión. Centrándonos en el proceso de creación, vemos como los artistas presentados utilizan una combinación de técnicas tradicionales y digitales para explorar las influencias de la tecnología en nuestra identidad, cuerpo, estética y entorno.

Raccoon projects presenta la exposición «— Blanco, El Barro. La Más Suave Máquina de Sol», dentro del marco de Loop Festival. En ella se presentan los vídeos «Machine White Sun» y «—The Softest Mud That Sees», que estuvieron producidos consecutivamente por Esther Gatón a lo largo de 2020. Se conforman como parte I y parte II de dos narraciones protagonizadas por la mecánica de dos fluidos: agua y luz artificial. Ambos combinan imágenes documentales con material descargado de internet, tejiendo historias ambiguas, cargadas de suspense, rareza, junto a imágenes seductoras, con la esperanza de deformar el simple acto de sentirse atraída por algo y mirar a su alrededor.

Iván Candeo focaliza y confronta la relación entre el movimiento, el tiempo y la historia, logrando identificar una serie de contradicciones y paradojas. Cuestión que realiza como un intermediario que hace pasar las imágenes por varios medios y formatos. La instalación Tiempo vivido plantea la dependencia física del tiempo medible; practica la incidencia relativa de velocidades y distancias en los objetos, en la imagen y en el entorno instalativo. Composición en la que la representación del tiempo se supone como una relación entre movilidades e inmovilidades.

Las tierras raras marcan la materialidad de nuestro tiempo. Estos metales, denominados así por la dificultad con la que se encontraban en el momento de su descubrimiento, están presentes en casi todos los dispositivos tecnológicos que definen nuestra vida cotidiana: desde las pantallas de los móviles hasta las baterías de los coches eléctricos. Componentes clave de un mundo cada vez más digitalizado, las tierras raras son el leitmotiv de este videoensayo, que desarrolla, a través de una visión atenta al lugar de origen de la autora, una reflexión poética en torno al paisaje y a la mirada que lo configura.

Suburbia Contemporary presenta tres obras del artista sudafricano Ed Young, producidas en los últimos ocho años. Las obras interrogan sobre el pensamiento especulativo y el reposicionamiento físico de los esfuerzos cotidianos en tiempo real de la existencia. De manera abstracta, las piezas crean un arcano vistazo a numerosas versiones del antiguo mantra «¿Cómo hemos llegado hasta aquí?» En conjunto, las películas brindan interpretaciones irracionales y descorteses como un intento de rede?nir espectros difíciles del pensamiento actual.

El proyecto «Espacio en diferido» es una vídeo-instalación conformada por circuitos cerrados de webcams y pantallas. En ella se explora la mediación de las pantallas interconectadas, revisando la forma en la que los individuos se relacionan con sus impulsos, su propia imagen y con la experiencia del espacio. “Cuando una máquina funciona eficientemente […] uno sólo necesita concentrarse en los beneficios que genera y no en su complejidad interior. Así, paradójicamente, sucede que la ciencia y la tecnología cuanto más éxito obtienen más opacas se vuelven” – Bruno Latour

La exposición “Lullabies” incluye para LOOP City Screen la pieza de vídeo “MomMy” de Laura Hermanides. La artista y directora de cine holandesa dirige y protagoniza junto a su madre, un íntimo y conmovedor cortometraje que pone de manifiesto la importancia del apoyo materno filial ante episodios de acentuada vulnerabilidad. Mediante el experimento de la doble exposición, Hermanides utiliza película analógica de 16 mm para revelar lentamente las capas temáticas de sus luchas. Bajo un estado de confusión, resurgen imágenes que representan icónicamente la batalla con el ejemplo de su madre, la feminidad y la vida en general.

Inspirada en la novela alegórica de George Orwell. Mientras los personajes de Animal Farm son egoístas, Van Haver propone un nuevo modelo para las instituciones con énfasis en los trabajadores y el trabajo detrás de las grandes ideas. «Perdemos nuestra historia tan fácilmente, lo que no está predigerido para nosotros por el NY Times, o las noticias de Amsterdam, o la revista Time…» Audre Lorde. Las entrevistas, bocetos, videos, planos y las impresiones 3D forman parte de un archivo que representan: SCCA, Redclay Studio y Studio Nkrumah Voli-Ni, African Artists’ Foundation y Cercle d’Arts des Travailleurs de Plantation Congolaise.

Un tipo de máscara funeraria, inquietantemente aséptica, suspendida en el vacío y girando muy lentamente pero de manera constante. Un cuerpo extraño que, como los *dervixos *giròvags sufíes, nos impele a llevar a cabo un mantra que se articula a partir de dos verbos fundamentales: «dejar» y «mirar». De entrada, una idea se impone en forma de recuerdo, a saber, que todo el universo gira: giran las galaxias y el sistema solar, pero también giran los electrones y los protones en los átomos o, si lo preferimos, también es circular el movimiento helicoidal de las estructuras del ADN… Todo gira. EUDALD CAMPS

Con «Oracle» de A+G vivimos el tiempo de disfrutar. Balanza en «El continuo pequeño presente» reflexiona sobre la realidad del tiempo: pasado y futuro no existen. Albert Bayona en «Five minutes before the wind blows it all away» capta la luz del pasado para vivirla de nuevo. «La vida de las piedras» de Clemente Calvo nos acerca un tiempo geológico. Salvador Herrera con «Pontifex» nos adentra en un tiempo nuevo a través de la Inteligencia Artificial. Por último «Quatre moments» de Enric Maurí deja constancia del tiempo a través de la grabación en vídeo.

Esta exhibición multidisciplinaria explora el culto a la Santa Muerte a través de un mapeo geográfico de altares callejeros en la Ciudad de México seguido de un análisis de los devotos. Encuentro que esta santa ha cobrado impulso durante las últimas dos décadas entre la población carcelaria. En lugar de ser una defensora sagrada unidimensional de los delincuentes y la policía, los presos, los funcionarios de prisiones, la policía y sus familias la adoptan como un «miembro de la familia» caprichoso, que abraza la misma ambivalencia que las fuerzas a las que ayuda a navegar.

Zielinsky presenta la exposición «70’s i altres coses” de la artista Vera Chaves Barcellos (1938). La primera muestra individual de la artista en la galería exhibirá una selección vídeos, fotografías y documentos que han sido producidas por la artista en los años 1970 y 1990. La investigación de Chaves Barcellos toma como punto de partida la relación del cuerpo con el tiempo: performar personajes y narrativas del pasado y del futuro, poner en foco relatos que se quedaron al margen de la historiografía, documentar y recopilar materiales de archivo de eventos locales o de la memoria personal.