City Screen 2020

ELLA, EL OJO, EL DEDO, LA MANO establece un diálogo entre una selección de obras de tres artistas de nacionalidades y generaciones diferentes: Margaret Harrison , María María Acha-Kutscher y Núria Güell. A pesar de sus diferencias generacionales y de contexto, y dejando de lado la especificidad y singularidad de sus trabajos, es fácil identificar en las prácticas artísticas de estas tres creadoras planteamientos, temáticas y líneas discursivas afines.

STANZAS está formada por un grupo de secuencias que se reproducen de forma aleatoria. Una pieza en la que se mezclan, enlazan y unen espacio, luz, tiempo y movimiento. Cada secuencia es un juego de superposiciones espaciales y temporales, fractalizaciones y complejidad, palíndromos, imágenes especulares, curvaturas. La búsqueda es pictórica y musical, en un bucle nunca igual a si, dejando la combinación de las partes al azar, y con ello, la posible narración.

PAISAJE INTERIOR CON MARINA es un proyecto que activa nuestros sentidos, cuestionando a la vez la relación que se produce entre el espectador, las imágenes y el espacio que éstas generan, y para la realización del cual la artista ha contado con valiosas colaboraciones. Este trabajo reflexiona sobre lo público y lo privado, el concepto de cuerpo (ya sea el cuerpo fragmentado del cine y el cuerpo compartido de éste, o bien el cuerpo que incide en el cuerpo de los demás). Así como otras ideas entorno a la noción de libertad y su asociación a la imaginación y a la sincronía. Proyecto en colaboración con Maia Koenig y Jake Aikman.

El título de este film se refiere al «cautiverio» de la humanidad dentro de la lógica del capitalismo, que parece llevar el extractivismo hasta un punto sin retorno. CARBON AND CAPTIVITY está estructurado en cuatro capítulos, presentando diversas perspectivas. La película entrelaza el rodaje en el Centro Tecnológico de Mongstad y sus alrededores (la instalación más grande del mundo para probar tecnologías de captura de dióxido de carbono) con un recorrido por el lugar, un texto narrativo poético-político y un denso diseño de sonido.

DIGITAL | CORPORAL es un proyecto expositivo que reúne los trabajos videográficos de seis artistas para explorar la potencialidad comunicativa de aquellos relatos que se producen a partir de la representación del cuerpo (ya sea humano o no) y el uso de los lenguajes que emergen a través de la utilización de las nuevas tecnologías en la presente era de la información.

Dos monitores de video, girados 90º a formato vertical, se colocan uno frente al otro dentro de un espacio envolvente. En la parte superior de uno de los monitores vemos una mirada felina; por el otro, a la misma altura, una mirada humana. Ambos están rodeados por una superficie negra que borró todos los demás detalles, haciendo que las diferencias entre ellos sean menos explícitas. Estos pares de ojos se observan durante una duración infinita que determina un punto de equilibrio, del que parece brotar el título de la instalación.

HOMELAND ‘BORDERLINE’ nos sitúa ante temas como el límite, la frontera y el margen. Frontera, como línea divisoria, incluso como límite entre amistad y amor. Marginal, incierto y problemático en tiempos de Covid-19. BORDELINE incluye artistas seleccionados a partir de la convocatoria que HOMELAND hace desde Irlanda y artistas que se seleccionaron durante la edición LOOP 2019.

Único film que se conserva del fotógrafo Humberto Rivas. Una historia de ficción donde un personaje tímido y escrupuloso maltrata a otro enterrado hasta el cuello, que expresa de forma premonitoria la dictadura argentina que tendría lugar 3 años después.

UBI CONSISTAM significa punto estable y es parte de una frase de Arquímedes cuando descubrió la ley de la palanca. Literalmente: «Dame un lugar para pararme y moveré la tierra». El proyecto trata la construcción y la difuminación de la identidad. Empezó en 2017 cuando Marina Sagona adquirió la ciudadanía estadounidense después de vivir allí durante 22 años. La artista sintió cómo la nueva identidad llenó el vacío del anterior para volver a caer en el caos. Con el apoyo del Instituto Italiano de Cultura de Barcelona – IIC Barcellona.

Tara Kelton es una artista india-estadounidense que vive en Bangalore, India. BODEGÓN, RETRATO, PAISAJE es su primera exposición en España, en la que presenta varias series de obras que examinan la figura tradicional del artista (y del artesano) en relación con lo digital. Trabajando en una variedad de medios, Kelton reflexiona sobre el papel cada vez menor del ser humano en la sociedad contemporánea –reemplazado por la automatización, la inteligencia artificial y la mediación digital–, y el control algorítmico remoto del trabajo por parte de corporaciones y organismos occidentales.

Ro Caminal explora la posibilidad de lugares intersticiales a través de la producción audiovisual. En la trilogía MOI, UN NOIR. RELOADED (2015), UNFOLDING PENOLOPE (2017) y SHIP OF FOOLS / HOOK A BOAT (2017) –que presentamos de manera conjunta por primera vez– la artista impugna la construcción del otro desde la etnografía occidental y sus dispositivos de representación, a la vez que aborda las distintas aproximaciones y realidades del proceso migratorio.

Espronceda presenta ART FOR SOCIAL CHANGE TOWARDS THE ART OF DEMOPRAXIA, exposición inspirada en el THIRD PARADISE de Michelangelo Pistoletto y Cittadellarte. La exposición reunirá destacadas prácticas artísticas de transformación social, con relación al THIRD PARADISE y el ARTE DE LA DEMOPRAXIA. La exposición también incluirá BLANK NOISE de Jasmeen Patheja, artista ganador del Visible Project 2019, primer premio de producción internacional dedicado a una obra de arte en el ámbito social, que tiene como objetivo producir y sostener prácticas artísticas socialmente comprometidas en un contexto global. Visible Project fue fundado por Fundación Pistoletto y Fundación Zegna.

¿Cómo devenimos sujetos en un sistema de explotación individual? Partes esenciales de la vida quedan relegadas a la periferia: infancia, vejez, enfermedad, el trabajo de las mujeres. Detrás de la sobreexplotación de los cuerpos que necesitan cuidados y que cuidan, se esconde una relación sentimental de dominación y usufructo, que genera una pátina amorosa sobre la invisibilización de esos trabajos. Las artistas aquí reunidas exploran los rincones de las políticas de los cuidados. Imagen: CARE, Ana Alvarez-Errecalde.

La luz ejerce presión sobre las cosas que ilumina. Es un empuje ligero pero no irrelevante, que fuera de la atmósfera puede acelerar naves espaciales hasta velocidades muy superiores a las obtenidas hasta ahora. Dionis Escorsa reflexiona sobre el alcance de la presión lumínica en lo cotidiano y sus consecuencias físicas y psicológicas, la antagonía entre lo radiante y lo iluminado y el desajuste temporal que sufren las sombras. Proyecto producido por Halfhouse y la Fundació Suñol.

Es un proyecto de investigación que se inicia con el viaje de la artista a la Patagonia. Allí desarrolla una crónica inspirada en la expedición de Magallanes, ocurrida hace exactamente 500 años. En su retorno a Europa la artista se encuentra con la colección sobre Tierra del Fuego del Museo de Antropología de Florencia. Dibujos, videos y textos contrarrestan imaginativamente las narrativas de los “descubridores” del siglo XVI y los antropólogos del siglo XIX.

La exposición PRIMERA LÍNEA de Fernando Prats muestra su trabajo más reciente, realizado en el contexto de las protestas que tuvieron lugar en Chile durante los meses de octubre y noviembre de 2019. Fernando Prats, que se encontraba en Santiago de Chile, decidió involucrarse viviendo una experiencia que le permitió registrar la confrontación de los manifestantes y la realización de una serie de acciones que toma forma en el vídeo y las obras que presentamos.

Filmado en la selva amazónica, CAPITÃO DO MATO de Regina Parra toma su título del nombre popular de un pájaro típico de América del Sur. Conocido por emitir un sonido agudo y estridente que revela la presencia de extraños en el bosque, el pájaro solía guiar a los colonos en sus rastreos silenciosos del territorio en busca de esclavos fugitivos a finales del siglo XIX. En CAPITÃO DO MATO la cámara se convierte en una mirada poética y violenta, que escanea el bosque en busca de imágenes y sonidos del pasado, atrapados en el paisaje natural del Amazonas contemporáneo.

El trabajo de Noemi Sjöberg gira sobre cuestiones esenciales como la percepción, la alteración de la realidad o la condición humana. En él se cuestiona la relación entre la imagen y el sonido con la realidad poniendo de manifiesto la subjetividad y condicionamiento de la experiencia de lo real. Para ello la artista utiliza el viaje como herramienta. En CAMBIOS DE LUGAR nos propone situarnos en ese espacio entre el observador y lo observado; un lugar entre dos en el que la realidad y el sujeto se transforman mutuamente, desplazándose de su espacio habitual.

THE WITCHES: HOW SPLENDID! es una exposición colectiva formada por las artistas Vera Chaves Barcellos, Virgina Patrone y Romy Pocztaruk. La muestra compuesta por películas, fotografías y dibujos exhibe la producción de tres mujeres artistas de periodo y contexto distintos, que toma como punto de partida una perspectiva de género: nombrarse para existir en el mundo, actuar para dar cuerpo a algo e imaginar un futuro diferente para mantenerse vivo.

Al principio de este proyecto, la intención de mostrar las profundidades de las reuniones de Gabber se vinculó al estudio de los dispositivos de comunicación sintética que se estaban desarrollando en los años 90. 3 TRANSITIONS D’UNE MÊME FIGURE nace de una colaboración en la que la mezcla de experiencias sensibles relacionadas con la fiesta y la escucha activa se plasman en un video-sonido. Contiene una travesía hacia la psicomagia y se crea entre el rugido de un coche tuneado y la escucha hidrófona del pez leuciscus idus.

Margarita Zafrilla Olayo, coreógrafa y video artista, en el video PRELUDE explora la relación del movimiento entre la danza y el dibujo, y crea la coreografía para una performance en el que junto al pintor Pato Bosich construyen en un mismo marco de visión un diálogo unificado por los encuentros e interacciones del movimiento en suspensión de Margarita Zafrilla Olayo y los trazos de tinta de Pato Bosich que coexisten al ser videograbados creando nuevas apariencias de quién mueve y quién dibuja a quién.

Vanessa Pey nos invita a acompañarla en una indagación incisiva e hipnótica a raíz de la faceta más intangible y más perpleja del ser humano: la identidad. Defensora de la ambigüedad como posicionamiento poético, Pey retuerce los rostros y cuerpos, congela estados específicos de varios moods atmosféricos de los mismos y capta climas de horror, erotismo, éxtasis y delirio. En esta muestra de obras seleccionadas por la artista y la comisaria Gabriel Virgilio Luciani, encontramos el repertorio generado entre el 2017 y 2020: imágenes estáticas sobre soporte fotográfico así como una serie de vídeos creados expresamente para la ocasión. La muestra también cuenta con la participación del compositor estadounidense Magic Candy.

Un almacén es un lugar físico o digital donde se guardan cosas; y que puede ser usado para almacenar memoria, ideas (buenas o malas). El almacén, puede ser también un escondite, un refugio seguro, una zona protegida o, a veces incluso, una zona prohibida. También simplemente puede ser un lugar para tener demasiadas cosas. WHAT’S IN STORAGE FOR US? II (¿QUÉ HAY ALMACENADO PARA NOSOTROS? II) es una exposición que juega con la idea de “que traerá el futuro”. ¿Qué futuro pueden esperar piezas arrinconadas a un almacén?. Piezas abandonadas a Nogueras Blanchard a la espera de un público. El dúo Gracias por su visita ha seleccionado una de estas piezas (de formato audiovisual) que se encuentra al almacén, sin ver la luz, para volver a ser proyectada. En este caso, será vista en su contexto actual (el almacén de la galería Nogueras Blanchard); y junto a todas las cajas con obra otros artistas representados por la galería. Durante un fin de semana la obra podrá verse en diálogo con una pieza del artista Jaume Clotet.

Un almacén es un lugar físico o digital donde se guardan cosas; y que puede ser usado para almacenar memoria, ideas (buenas o malas). El almacén, puede ser también un escondite, un refugio seguro, una zona protegida o, a veces incluso, una zona prohibida. También simplemente puede ser un lugar útil para tener demasiadas cosas. WHAT’S IN STORAGE FOR US? I (¿QUÉ HAY ALMACENADO PARA NOSOTROS? I) es una exposición que juega con la idea de “que traerá el futuro”. ¿Qué futuro pueden esperar piezas arrinconadas a un almacén?. Piezas abandonadas a Nogueras Blanchard a la espera de un público. El dúo Gracias por su visita ha seleccionado una de estas piezas (de formato audiovisual) que se encuentra al almacén, sin ver la luz, para volver a ser proyectada. En este caso, será vista en su contexto actual (el almacén de la galería Nogueras Blanchard); y junto a todas las cajas con obra otros artistas representados por la galería. Durante un fin de semana la obra podrá ser verse en diálogo con una pieza de la artista Andrea López Bernal.

Con motivo de la celebración del Festival LOOP en Barcelona, entre el 10 y el 21 de noviembre, ProjecteSD propone el visionado on line de la obra videográfica de Dora García LOVE WITH OBSTACLES, con una versión de la película comentada por la artista en español. De la mano de su autora Dora García, la audiencia podrá disfrutar de una recorrido íntimo y lleno de detalles e información sobre la obra. Para obtener los enlaces para el visionado de la obra y su versión comentada por Dora García, se ruega contactar a ProjecteSD. Contactos: Oriol Aribau: [email protected] o Silvia Dauder: [email protected]

“Navego sobre aguas turbulentas en las que me hundiré sin que nadie acuda a salvarme”. Virginia Woolf, LAS OLAS. Donde unos pueden respirar otros se ahogan. La vida y la muerte se entrelazan, estructuran nuestra existencia sabiendo que la una no puede existir sin la otra. Océanos de aire en los que se establece un desafío al hundimiento obligado; donde la dicotomía está entre luchar o dejar de flotar. Escapar, intentar con todas mis fuerzas ser pez.

Núria Manso presenta tres de sus últimos vídeos: El primero de ellos, Y SI SON COSAS NUESTRAS (2019) aborda el tema de la locura a partir de experiencias o recuerdos vivenciales de la artista. En SUSURRANDO (2020) hace una alegoría a la risa y los estados de alegría, y CUANDO TODO SE ACABA nos presenta un discurso sereno sobre el final de la vida. Si el año 2020 pasará a la historia, lo será por las consecuencias que comportó la pandemia del coronavirus. Toda creación artística quedará impregnada por esta situación no deseada. Dos de los vídeos fueron hechos antes del inicio de la pandemia, y el último, CUANDO TODO SE ACABA, fue realizado en el denominado post-confinamiento y trata sobre la muerte.

Con motivo del estreno de la última película de la directora, NIEVA EN BENIDORM, RocioSantaCruz presenta NO TE VA A QUERER TODO EL MUNDO, documental de Jennifer Cox sobre el rodaje de la película, así como la programación de una selección de cortometrajes de Isabel Coixet.

EL PODER DE EL SO recoge una selección de ocho artistas, en cuyos videos encontramos un denominador común que hace hincapié en la importancia del sonido relacionado con la imagen. A+G, Èric Antonell, Balanza, Albert Bayona, Clemente Calvo, Salvador Herrera, Enric Maurí y Behdad Rezazadeh, utilizan diversos juegos de percepción e imagen, para adentrarnos en momentos íntimos y personales que nos conducen, sin duda, a una profunda reflexión. Los videos se proyectarán también en Fundaciò Marguerida de Montferrato.