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Harun Farocki. Empatía

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February 10, 2016

1 junio – 16 octubre 2016. Fundació Antoni Tàpies

Harun Farocki. Empatía

MUNTANTGE-FAROCKI-LOOP

Comisarios: Antje Ehmann y Carles Guerra

Harun Farocki, Nicht löschbares Feuer (1969)

Dos años después de la muerte de Harun Farocki (Nový Jičín 1944-Berlín, 2014), esta exposición retoma los filmes y las instalaciones de un autor que ha sido considerado cineasta, artista, crítico y activista, y que ya se cuenta entre los referentes más importantes de la segunda mitad del siglo veinte.

Conjuntamente con el Instituto Valenciano de Arte Moderno, la Fundació Antoni Tàpies desarrolla la segunda parte de un proyecto que permitirá revisitar las películas militantes de la década de 1960 y las instalaciones que a partir de 1995 ocuparon plenamente a Harun Farocki. Si bien la presentación en el IVAM pondrá el énfasis en las investigaciones sobre dispositivos de vigilancia, así como la tecnificación de la visión, en la Fundació Antoni Tàpies se podrán ver una serie de obras emblemáticas que repiensan el trabajo y las nuevas formas que adquiere la demanda de producción capitalista, especialmente aquellas que han exigido la movilización de aspectos más subjetivos y humanos que antes quedaban al margen de cualquier tentativa de explotación.

La noción de empatía, extraída de un texto de Harun Farocki, encabeza la elección de obras que se podrán ver en Barcelona. Si en la década de 1960 el distanciamiento brechtiano impuso el determinismo y un afán por la objetividad en lo que llamamos las prácticas documentales, hacia el final de su vida Harun Farocki se preguntó por qué aquella palabra tan preciada había sido dada al enemigo, es decir, a la industria del cine y el entretenimiento. Había que reconsiderarla y reapropiarse de ella. Esto explicaría la concepción tan particular desarrollada por este autor, en virtud de la cual la cámara observa espacios de formación profesional, negociaciones empresariales y espacios laborales sin juzgar ni estigmatizar. Sus películas vendrán a ser el testimonio de un adiestramiento meticuloso de la fuerza de trabajo, especialmente en aquellos ámbitos donde la comunicación interpersonal juega un papel esencial.

Para complementar esta selección de obras que iluminan el interés por el mundo del trabajo, ahora y en el pasado, y muy posiblemente derivado del motivo original del cine, la Fundació Antoni Tàpies presentará por primera vez en España una gran instalación realizada por Harun Farocki y Antje Ehmann. Eine Einstellung zur Arbeit / Labour in a Single Shot (2011-2014) rememora las salidas de la fábrica que se han reproducido durante más de un siglo. La producción de esta obra de grandes dimensiones ha sido realizada en el contexto de seminarios impartidos por los dos autores y en diferentes ciudades del mundo, lo que indica que los escenarios del cine se encuentran allí donde hay una pedagogía de la imagen. La idea de un cine que evita la ilusión de una imagen inocente y que piensa la transmisión ideológica a través de la historia de la visualidad ha dado carácter a la obra de Harun Farocki.


Text Copyright / Fundació Antoni Tàpies
http://www.fundaciotapies.org/

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LOOP Barcelona 2016

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February 3, 2016

(video) art & cinema
Faraway, So Close!

La 14ª edición de LOOP Barcelona tendrá lugar del 26 de mayo al 10 de junio de 2016.
La Feria LOOP se convertirá una vez más un punto de encuentro de artistas, galeristas, coleccionistas, curadores, productores, programadores y profesionales que trabajan con vídeo y cine, en el contexto del arte contemporáneo y de la industria cinematográfica.
El Festival mostrará una selección de películas de artistas internacionales y videos en más de 100 lugares diferentes de la ciudad. Talleres, mesas redondas, reuniones profesionales y presentaciones de artistas de vídeo contribuirán a la misión educativa de LOOP.

____

Los vídeos y filmes de artista están formalmente emparentados con el cine[1]. La imagen en movimiento y los recursos técnicos que se han utilizado a lo largo de la historia para producirla – desde las películas fotográficas en diferentes formatos hasta las tecnologías digitales, pasando por las cintas magnéticas con sus máquinas de registro y reproducción-, constituyen el vehículo más evidente en esta relación de parentesco. Sin embargo, las diferencias existentes entre uno y otro campo pueden ser fácilmente identificadas al comparar, por ejemplo, los modos en los que cada una de estas prácticas se comporta. Sus espacios de circulación difieren (salas de proyección vs. pantallas, escaparates o espacios expositivos tipo ‘black box’), lo que consecuentemente propicia comportamientos diferentes en las audiencias. Puesto en términos del comunicólogo Marshall McLuhan, los primeros serían cálidos (alta definición, más información, menos participación) y el segundo frío (baja definición, menos información, más participación); esto último se justifica desde la perspectiva de unos públicos con la capacidad de editar los contenidos. Quizás sea la sumatoria de estas situaciones las que así mismo determina las divergencias profundas con respecto a exigencias de tipo estético en torno a la narratividad y belleza que se le hacen a unas y otras prácticas. Y ni que decir hace falta que unas y otras han generado industrias culturales con un desarrollo mercantil totalmente diferente. En la actualidad, numerosos agentes traspasan los límites que separan uno y otro campo, haciendo de esto justamente el centro de sus investigaciones. Y en el proceso, contribuyen a poner en cuestión los límites que los zanjan. En un principio, este fenómeno pareció obedecer al interés de artistas que utilizaban el soporte de la imagen en movimiento, pero esta ‘contaminación’ se produce también en sentido contrario: cineastas que buscan ampliar su práctica fuera de la pantalla oscura de la sala y realizan piezas concebidas para su exhibición en los espacios del arte. Es por eso que muchos prefieren referirse a sus trabajos como filmes de artista, cine expandido, cine de exposición… En simultáneo, las instituciones y museos están respondiendo a estos cambios de dos maneras: 1) Incorporando, cada vez más, las producciones basadas en la imagen en movimiento dentro de sus colecciones y muestras. 2) A través de la emergencia de instituciones que, para el campo del arte, se dedican exclusivamente a la investigación, exhibición y conservación de obras soportadas en la imagen en movimiento. ¿Cómo se explica esta incorporación de lo cinematográfico en la estructura museal? Según  Manuel Borja-Villel[2], tras la revolución digital el cine sigue la estela de objetos y prácticas que dejaron de ser útiles, encontrando una segunda vida en el centro de arte. En sus espacios de exhibición, el cineasta puede experimentar con tiempos y formatos que desbordan los límites de la sala tradicional: duración corta o indefinida; proyecciones multipantalla; exploración in extremis de ciertos recursos; etc. De este modo, la inclusión del cine en el museo representa la doble posibilidad de apertura y crítica. Lo anterior está determinado por el hecho de que el cine posibilita comprender la dimensión interna y subjetiva de la historia -en contraposición a la historia entendida como narrativa objetiva y externa-, y por el anacronismo de sus dispositivos, lo que le permite representar e impugnar el mundo en simultáneo. En tanto que plataforma consciente de los debates más acuciantes del sector de la imagen en movimiento, LOOP necesita responder a esta serie de transformaciones y cambios. En ese sentido, LOOP 2016 explorará esa zona híbrida antes descrita, habitada por agentes cuyas prácticas ponen en cuestión las divisiones tradicionales entre sectores. Para llevar a cabo esta tarea se hará una selección de obras representativas de esta condición ‘mestiza’, es decir, trabajos que desde su concepción cabalgan entre las artes visuales y el cine; pero también a través de la exploración de formas de circulación en las que se lleven al cine obras concebidas para salas expositivas y viceversa. El objetivo último no es otro que el de buscar ampliar las audiencias para este tipo de producciones culturales. El título Faraway, So Close!es una apropiación de la película de 1993 del director alemán Wim Wenders, y un homenaje a este autor. Es una manera de aludir a la distancia y proximidad de prácticas artísticas que, como se expresó al comienzo, comparten medios pero que se han separado por razones culturales y de mercado.

Ejes propuestos:

Vídeo-objetos y filmes escultoricos

Pasando de las salas de cine a los espacios expositivos, este capítulo busca dar cuenta del modo en que diversos artistas han investigado la tensión entre bidimensionalidad y tridimensionalidad en el campo de la imagen en movimiento. Algunos de los asuntos que se pueden señalar son: de-construcción y reconstrucción del dispositivo cinematográfico; las cualidades materiales del vídeo y el cine; las maneras en las que el cine expandido pone en relación realidad, representación e imaginarios; las formas en las que el dispositivo cinematográfico articula el espacio y el tiempo; las propiedades físicas del proyector de película, celuloide y la luz proyectada; etc.

Cine como espacio expositivo

En este proceso de experimentación entre y a través de las prácticas, el espacio del cine se investiga de acuerdo con su potencial expositivo. La calidad de inmersión de la ‘Black-box’ se transpone en el espacio de la galería, creando de esta manera un cortocircuito entre las diferentes modalidades de visualización y recepción.

Back to Silence

LOOP 2015 tuvo como uno de sus ejes de trabajo las relaciones entre la imagen en movimiento y el sonido (Beyond the image: sound), poniendo el énfasis en la importancia del segundo para la construcción y recepción estética de las obras. Las primeras películas sonoras solían no tener banda sonora como resultado de limitaciones técnicas en los aparatos de grabación, así como consecuencia de buscar un mayor realismo en las obras. Sin embargo, y pese a que las tendencias tecnológicas del momento parecen configurar muchos de los derroteros del arte, hay ocasiones en los que los artistas escogen dejar de hacer uso de dichas posibilidades y adoptar modos de producción y presentación de antaño. ¿Qué pasa pues cuando los filmes y vídeos de artista se concentran sólo en la imagen en movimiento, excluyendo deliberadamente el sonido? ¿La ausencia de diálogos permite una comprensión más universal de las obras? ¿Cómo afecta, toca o desafía esto al espectador? Estas son algunas de las preguntas que se pretende investigar con obras contemporáneas en las que el silencio se aborda de manera deliberada, lo que quizás permite el surgimiento de preguntas existenciales en el espectador, así como la aparición de mundos e imaginarios alternos.

El inconsciente audiovisual

Algunos artistas han hecho uso de estrategias de deconstrucción fílmica para desocultar y extraer un sentido que parecía escondido en el interior de las imágenes y los sonidos originales. Trabajando con fragmentos de películas hollywoodienses, se desvelan una serie de significaciones ocultas que parecen residir en el interior del continuum audiovisual; algo que, de algún modo, ya estaba allí pero que sólo puede ser extraído y mostrado mediante un proceso de alteración, agresión y extrañamiento de las narrativas y las técnicas cinematográficas.

 


 

[1] A partir de ahora se utilizará la palabra ‘cine’ siguiendo el uso que le dio Marcel Broodthaers, para quien el concepto de ‘cinéma’ engloba un planteamiento de la imagen en movimiento y del discurso audiovisual como posible lugar de crítica institucional. “I’m not a filmmaker. For me, film is the extension of language. I begin with poetry, then visual art, and finally cinema which brings together several different elements of art. Which is to say: writing (poetry), the object (visual art), and the image (film). The difficult thing, of course, is the harmony between these elements.” Borja-Villel, M.J., Compton, M. Cinéma, Actarbirkhauser, 1997.

[2] Borja-Villel, M. 2015. El séptimo arte también se expone. El País [Website]  http://cultura.elpais.com/cultura/2015/02/04/babelia/1423055144_046403.html

Conrado Uribe, Artistic Director

  LOOP Festival 26/05-04/06 LOOP Fair 02/06-04/06

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Anthony McCall. ‘You and I, Horizontal’, 2005. Imagen de SFMOMA por Steve Rhodes

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UMVA Screen 2014 | La Salle

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June 19, 2015

31 May – 7 June 2015

La Salle – Universitat Ramon Llull

Artistas: Pau Faus, Miquel García y Domènec
Coordinado por Leandro Madrazo

Taller organizado por La Salle Arquitectura – Unitat Mòbil de Vídeo Arquitectura [UMVA] en colaboración con LOOP Barcelona

VIDEOS TALLER 2014

Desde la periferia, Miguel Garcia, 2014-15

Ampliación, Pau Faus, 2014

Videos producidos por estudiantes 2014

Bocatas
La cara infantil del Raval
LIMITACIONES
El misterio de la curiosidad perdida

Filtros del Raval

Filmoteca
COREOGRAFÍA RESTRINGIDA
La esquina del Raval
Filtros
A B S T I N E N C I A P Ú B L I C A
Rastro

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UMVA Screen 2014 | La Salle

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June 19, 2015

31 May – 7 June 2015

La Salle – Universitat Ramon Llull

Artistas: Pau Faus, Miquel García y Domènec
Coordinado por Leandro Madrazo

Taller organizado por La Salle Arquitectura – Unitat Mòbil de Vídeo Arquitectura [UMVA] en colaboración con LOOP Barcelona

VIDEOS TALLER 2015

Desde la periferia, Miguel Garcia, 2014-15

Ampliación, Pau Faus, 2014

Videos produced by students at UMVA 2014
Bocatas
La cara infantil del Raval
LIMITACIONES
El misterio de la curiosidad perdida

Filtros del Raval

Filmoteca
COREOGRAFÍA RESTRINGIDA
La esquina del Raval
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A B S T I N E N C I A P Ú B L I C A
Rastro

 

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Carles Guerra entrevista a Manuel Borja-Villel [en Castellano]

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June 10, 2015

El comisario Carles Guerra entrevistó a Manuel Borja- Villel, Director del Museo Reina Sofía, con motivo de la exposición Video- Régimen. Coleccionistas en la era audiovisual‘.
Borja- Villel compartió sus reflexiones sobre temas como el papel del cine en el contexto del coleccionismo y la exposición en los museos, la capacidad que tienen las prácticas artísticas relacionadas con la imagen en movimiento para hacer crítica institucional, y la forma en la que el cine expandido se ha relacionado con las formas más tradicionales de arte -como la pintura- y cómo puede incluso haber desplazado dichas formas en el contexto de los museos de arte contemporáneo.

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‘Notas de Cambio’ por Imma Prieto | Cercle del Liceu

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May 30, 2015

Carlos Aires, 'Sweet dreams are made of this', 2015

Carlos Aires, ‘Sweet dreams are made of this’, 2015

28 mayo – 6 junio 2015

Cercle del Liceu

Comisario: Imma Prieto

La exposición solo se puede visitar en grupos reducidos y bajo reserva previa. Para reservar, visiten 48h Open House Barcelona. Visitas guiadas: 28,29, mayo y 2, 3, 4, 5 junio a las 12h y 18h. Precio: 6€. La visita guiada también incluye la visita a la exposición ‘Vídeo-Régimen. Coleccionistas en la era audiovisual‘, comisariada por Carles Guerra.

Un proyecto de LOOP Barcelona en colaboración con Cercle del Liceu y 48h Open House Barcelona.

Dejar que la música marque el ritmo de la imagen. Un ritmo que marca el movimiento sin dejar de establecer una ruptura que apela a la lógica de los cuerpos y el espacio. Las cinco piezas audiovisuales que componen el proyecto Notas de cambio, exigen una relectura del diálogo que establecen los cuerpos, el lenguaje, el espacio y las melodías. El proyecto que presenta en première las obras de Vasco Araújo, Patricio Palomeque y Carlos Aires, se complementa con los trabajos de Isabel Rocamora, Juanli Carión y Avelino Sala.

El conjunto apela a la necesidad de cuestionar los múltiples significados que de un modo automático asociamos a la imagen. Las filmaciones desvinculan cualquier información preestablecida y contradicen una lectura llevada a cabo bajo una lógica iconográfica. El giro relacional se desarrolla a medida que la melodía avanza y la imagen adquiere una nueva autonomía política y social.

Artistas y obras:

Carlos Aires, Sweet dreams are made of this, 2015, 3’
Cortesía del artista y de la galería ADN.

Vasco Araújo, La Schiava (The Slave), 2015, 28’50”
Cortesía del artista y de la galería Senda

Juanli Carrión, Opus, 2012, 14′ Cortesía del artista Patricio Palomeque, Cabezas (Heads), 2015, 3’20”
Cortesía del artista

Isabel Rocamora, Body of war, 2011, 6’33”
Cortesía del artista y de la galería Senda

Avelino Sala, Poética de la fuga (Poetic of Escape), 2011, 4’21”
Cortesía del artista y de la galería ADN

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Hong Kong in LOOP 2015 | Cinemes Girona

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May 27, 2015

Hong Kong en LOOP
Chu Shun, ‘Tons of Memories’

03 de Junio 2015, 18h

Cinemes Girona

Curated by Isaac Leung and Linda C.H. Lai

Un proyecto de Casa Àsia en colaboración con Hong Kong Economic and Trade Office of Brussels en el marco de the LOOP Barcelona

Precio entrada: 2 euros
Precio abonados y socios de los Cinemes Girona: 1 euro
Cinemes Girona: C/Girona, 175, 08025

Con la colaboración de la Oficina Económica y Comercial de Hong Kong en Bruselas, Casa Asia presenta en LOOP 2015 un programa de videoarte con Hong Kong como país invitado. Isaac Leung, director de Videotage, es el comisario de la primera parte del programa, mientras que la segunda está organizada por Linda C.H. Lai, jefa de programas de Arts in Creative Media en la School of Creative Media de la City University de Hong Kong. Estos programas serán presentados por los respectivos comisarios seguidos de una mesa redonda los días 2 y 3 de junio en Cinemes Girona. En el Media Lounge de la Feria, situado en el Hotel Catalonia Ramblas, habrá además una proyección en loop todos los días del evento (del 4 al 6 de junio).

PROGRAMA

Simultaneity – Reframing, Hong Kong, comisariado por Isaac Leung
El programa propone reinterpretar el videoarte producido en Hong Kong de 1989 a 2014, analizando las imágenes excluidas o ignoradas durante el proceso de grabación

Micro Narratives: Invented Space-time, comisariado por Linda C.H. Lai
La serie reúne los mejores proyectos creados en la School of Creative Media de la City University de Hong Kong desde el 2000 hasta el 2015

Simultaneity – Reframing, Hong Kong

El programa presentado por ISAAC LEUNG propone reinterpretar el videoarte producido en Hong Kong desde 1989 a 2014, analizando las imágenes potencialmente excluidas y olvidadas en el proceso de grabación.

  • Ellen PAU: Diversion (1990, 5m)
  • May FUNG: She Said Why Me (1989, 7m 31s)
  • Jo LAW: Read Only Memory (1999, 5m)
  • Sikay TANG: Phrases (1994, 5m)
  • Sheung Chi KWAN: A Flag’s Raising Lowering Ceremony At My Home’s Clothes Drying Rack (2007, 1m 47s)
  • Shun Birdy CHU: 97 Tons of Memories (1997, 13m)
  • MAP OFFICE: PRD Report (2003, 10m 17s)
  • Linda LAI: Doors Medley (2014, 7m)
  • Chloe CHEUK: Waiting For Another Round (2015, 5m 59s)
  • Ping WONG: FRUITPUNCH – We Want More – MV (2010, 5m 44s)
  • Anson MAK: One Way Street on a Turntable (2007, 1h 14m)(*
  • Mathias WOO: A Very Good City (1998, 1h 26m 19s) (*)

Micro Narratives: Invented Space-Time

Selección de los mejores proyectos de video arte producidos en la City University de la Hong Kong School of Creative Media (2000-2015), comisariada por la Dr. LINDA C.H. LAI.

  • Yiva WONG: Ex nihilo nihil fit // Nothing comes from nothing (2015, 3m 3s)
  • Hector RODRIGUEZ SUAREZ: Theorem 8 (single-channel version) (2012, 6m 46s)
  • Winsome WONG: Scenery Seen (2014, 2m 11s)
  • Joey LUK: Her Mother / Red Line (2000, 6m)
  • ZHAN Chang: Tweehonderdvijftig (2011, 5m 48s)
  • Terrence CHAN: Dreaded Deer (2009, 11m 47s)
  • Linda LAI: The House, the Flat (o La Casa 1-2) (2014, 29m 25s) **Estreno mundial

Hong Kong Crossings by LINDA C.H. LA
Media LoungeLOOP Fair, 4-6 June.

PART 1: Roaming, Muttering, Stuttering…

  • Winsome WONG: Her Voice Couldn’t Reach Our Senses (2013.12 / 1m52s)
  • Yiva WONG: Gone by (2012, 2m13s)
  • Josef BARES: Crossing Yangpu Bridge (Movement Series, 2012 / 1m)
  • WOO Ling-ling: Missing Henry (2002 / 6m b/w)
  • Cedric MARIDET: Huangpu (2005 / 20m28s)
  • João Vasco PAIVA: Action Through Non-action (2009, 8m51s)

PART 2: In Broad Daylight, in Dark Corners, Things from My Closet

  • Kenny WONG: Dead Life Objects (2010 / 3m48s)
  • Yiva WONG: Ex nihilo nihil fit // Nothing comes from nothing (2015, 3m3s)
  • Winsome WONG: Scenery Seen (2014 / 2m11s)
  • Samson YOUNG: Muted Lion Dance (#2 of “Muted Situations”) (2014 / 7m21s)
  • Hector RODRIGUEZ: Flowpoints :: Kiss (2010 / 8m35s)
  • Hector RODRIGUEZ SUAREZ: Theorem 8 (single-channel version) (6m46s / 2012 / video software)
  • Phoebe MAN: Wash (2005 / 9m)

PART 3: Making History

  • Linda LAI: Voices Seen, Images Heard (2009 / 27m58s)

 

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Vídeo ensayo de Alex Arteaga en el contexto de ‘Transient Senses’ | Pavelló Mies van der Rohe

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May 27, 2015

2 de junio de 2015, 22h

Pavelló Mies van der Rohe

Vídeo ensayo de Alex Arteaga en el contexto de LOOP Barcelona. El ensayo forma parte del proyecto ‘Transient Senses’

Comisariado por Lluís Nacenta

[Beyond the Image: Sound]

Un proyecto de LOOP Barcelona 2015 en colaboración con la Fundación Mies van der Rohe i el apoyo de Goethe Institut Barcelona, Sónar + D, Fundació Antoni Tàpies y el Master en Investigación en Arte y Diseño (Eina & UAB).

Transient Senses (sentidos transitorios) es un proyecto de Alex Arteaga alrededor de la arquitectura, entendida en sus términos más básicos: estructura, forma y materialidad. El proyecto adquiere diferentes formatos y ocupa diferentes sedes en la ciudad. Para LOOP Festival 2015 Alex Arteaga proyectará un vídeo ensayo en el Pavellón Mies van der Rohe el martes 2 de junio de 2015, a las 22h.

El programa también incluye 2 seminarios de investigación en el Goethe Institut Barcelona y el Sónar + D con especialistas internacionales;  ensayos de vídeo, audio y texto del artista en la Fundació Antoni Tàpies; y la instalación sonora ‘Transient Senses’ en el Pavellón Mies van der Rohe, que se puede visitar hasta el 21 de junio de 2015.

PROGRAMA

29 de abril – 21 June | Instalación sonora ‘Transient Senses’ en el Pavellón Mies van de Rohe
26 – 31 de mayo | Ensayos de texto, vídeo y audio en la Fundació Antoni Tàpies
28 – 29 de mayo | Seminario de investigación en el Goethe Institut Barcelona
2 de junio, 22h | Vídeo ensayo en el Pavellon Mies van der Rohe –  LOOP Festival
18 – 19 de junio | Seminario de investigación en el Sónar+D, 18 – 19 June
18 – 21 de junio | Ensayos de texto, vídeo y audio en la Fundació Tàpies

Instalación sonora en el Pavellón Mies van der Rohe | 29 April – 21 June, 2015

La instalación sonora presentada en el pavellón condiciona dos categorías de percepción (el espacio interior y el espacio exterior) y como condiciona el flujo entre el uno y el otro. La filosofía del proyecto se inscribe en un conjunto de búsquedas alrededor de arquitectura y cognición que tiene su origen en los trabajos de Francisco Varela, Evan Thompson y Eleanor Rosch, desarrollando, entre otros teóricos, por Shaun Gallagher, Ezequiel Di Paolo, Thomas Fuchs, o Dan Zahavi. La pregunta básica es: ¿puede ser la arquitectura una condición en la aparición del sentido? Con esta perspectiva, se analiza la interacción inmediata, sensual, pre-estética entre los cuerpos humanos y su entorno construido, y se ponen las bases para entender la experiencia estética de la arquitectura y abrir vías de participación a través del arte.

Seminarios de investigación

Goethe-Institut Barcelona, 28-29 de mayo, 2015

Parte del seminario de investigación se celebrará en la sede del Goethe Institut Barcelona, y contará con la participación de Dieter Mersch, Susanne Hauser, Alex Arteaga, gerard vilar, lluís Nacenta y los profesores y estudiantes del Master de Investigación en Arte y Diseño en Eina y la UAB.

Sónar + D, 18-19 de junio

Parte del seminario de investigación se  celebrará en la sede del SÓnar + D, con la participación de Jean Paul Thibaud, Rudolf Bernet, Lucio Capece, Alex Arteaga, Lluis Nacenta y los profesores y estudiantes del  Master de Investigación en Arte y Diseño en Eina y la UAB.


Fundació Antoni Tàpies | 26-31 de mayo  &  18-21 de junio

La Fundació Antoni Tàpies dará la bienvenida a los ensayos de video, audio y texto de Alex Arteaga. Y como paraguas de estas actividades, del 29 de abril al 21 de junio, tendrá lugar la instalación sonora en el Pavellón Mies van der Rohe.

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ALEX ARTEAGA ha estudiado piano, teoría musical, composición, música electroacústica y arquitectura en Berlín y Barcelona. Sus investigaciones integran estética y filosofía en la producción de conocimiento. Actualmente es responsable en la unidad de Investigación de arquitectura auditiva y del departamento de arquitectura auditiva en el máster de estudios del sonido de la Berlin University of Arts.

LLUIS NACENTA, coordina el proyecto al lado de Alex Arteaga: es profesor, escritor, investigador de música y del diseño sonoro. Licenciado en matemáticas, titulado superior en piano, máster en estudios comparativos de literatura, arte y pensamiento y doctor en humanidades, sus investigaciones proponen una interpretación filosófica de las artes del sonido. Es profesor del Máster Universitario de Investigación en Arte y Diseño y del Grado de Diseño de la escuela Eina.

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‘Fantasía y Fuga para Tsushima’ por Fito Conesa| CCCB

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May 27, 2015

Fito Conesa, ‘Fantasía y Fuga para Tsushima, 2015

Fito Conesa, ‘Fantasía y Fuga para Tsushima, 2015

Jueves 28 de mayo de 2015, 19h-20.30h

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona [CCCB]

Artistas: Fito Conesa + Trio Inmusics

Una exposición-performance en el marco de ‘Las Variaciones Sebald’

Un proyecto de LOOP Barcelona en colaboración con el CCCB

[Beyond the Image: Sound]

Fantasía y Fuga para Tsushima recoge la composición musical de la Batalla de Tsushima, un enfrentamiento que duró 24 h y enfrentó al ejército ruso contra el ejército japonés durante la guerra ruso-japonesa, cuyo resultado fue decisivo para la victoria japonesa.

Todo este ejercicio realizado por Conesa se inicia con el encuentro casual de una carta naval de Tsushima, la isla japonesa en la que tuvo lugar dicho enfrentamiento entre el 27 y el 28 de Mayo de 1905. La fecha, casualmente, coincide tanto con el cumpleaños del artista como con el inicio del Festival LOOP.  A partir de esto, comienza un proceso de acercamiento a dicho mapa tanto desde el punto de vista geográfico como histórico que llevan al artista a musicalizar los datos, tanto del mapa como de la batalla. Esta serie de casualidades vinculadas con lo musical y la historia personal de Conesa, dos elementos constantes en su exploración artística, lo llevan a configurar una partitura a tres voces: el mar, Rusia y Japón; cello, viola y violón.

En ‘Fantasía y Fuga para Tsushima’ tres violines y un cello són interpretados en directo por Fito Conesa y Trio Inmusics: Sabela Cascón (violin), Roderic De Roeck (viola) y Antonia Parapar (cello).

La performance tendrá lugar cada 15 minutos; la última sesión empezará a las 20:15h. Se permitirá la entrada a 28 personas por performance.

‘Fantasía y Fuga para Tsushima’ ocupa el espacio del Teatro Sebald, un pequeño teatro construido dentro del vestibulo del CCCB que forma parte de la exposición ‘Las Variaciones Sebald’.

LAS VARIACIONES SEBALD

11 de marzo – 26 de julio, 2015
Comisariado por Jorge Carrión
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona [CCCB]

En la exposición ‘Las Variaciones Sebald’ El CCCB el escritor alemán, autor de algunos de los libros fundamentales de nuestro cambio de siglo, se convierte en el hilo conductor de una interrogación sobre la historia del siglo xx y sus proyecciones en el siglo XXI.

‘Las variaciones Sebald’ es una muestra que busca presentar una reflexión crítica, un recuento de las diferentes maneras en que su obra ha influido en las artes visuales y la literatura, y ha dialogado, desde el fallecimiento del escritor en 2001. La exposición examina la forma en que diversas estrategias conceptuales de uso de imagen con texto, de reflexión histórica, de yuxtaposición inesperada de escenas y de narratividad en general no solo aparecen en la obra de Sebald, sino que en múltiples ocasiones la obra de diversos artistas ha hecho una alusión directa o indirecta e incluso las ha incorporado.

Esta exposición es un ensayo a la vez visual y textual que nos ofrece la voz del autor y de otros creadores de diferentes campos. Algunos de los artistas presentes en la exposición són: Carlos Amorales, Mariana Castillo Deball, Simon Faithfull, Andrea Geyer, Pablo Helguera, Núria Güell, Susan Hiller, Josiah McElheny, Trevor Paglen, Fernando Sánchez Castillo, Taryn Simon, Jan Peter Tripp, Guido Van der Werve,  Jeremy Wood.

 

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ALT [av] | La Capella Barcelona

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May 25, 2015

28 de mayo – 06 de junio

La Capella Barcelona

Artista: ALT [av]

[What about Collecting Video Art]

El colectivo ALT [av] presenta una exposición centrada en temas directamente relacionados con LOOP 2015, en una respuesta conceptual a las cuestiones planteadas por el festival. En un conjunto de vídeos cortos mono canal, muestran autores brasileños activos agrupados en 2 temas y muestras distintos: ‘Memory Leak’ y ‘Sounds from the South Images’.

EXHPOSICIÓN _ Parte 1: ‘Memory Leak: Views From Between Archiving and Memory’

 

El título sugerido –‘fuga de memoria: perspectivas desde entre el archivo y la memoria’-hace referencia a un significado concreto en el ámbito de la ciencia computacional, pero también apela a nuestra vida diaria, en un sentido poético. Basado en vídeos que retratan fragmentos de historias, viajes y objetos encontrados, la idea de memoria se despliega aquí creando sensaciones resbaladizas, errantes y desconcertantes, enfrentando reminiscencias inciertas que flotan entre la realidad y el imaginario.

Además, creemos que el espectáculo puede activar algunos problemas muy tangibles que los archivistas y coleccionistas de nuevos medios enfrentan actualmente. De este modo, la propuesta -comisariada colectivamente por alt [AV]- implica un vínculo entre la exposición, los paneles, los asistentes brasileños y el lanzamiento del libro, todo como parte del programa de LOOP 2015.

ARTISTAS

Alice Miceli, ’88 from 14.000′, 2011, 5 x 30″ (extracto de la pieza original de 56′)

El video se basa en fotografíes policiales de 88 de las 14000 personas asesinadas en la prisión S21, en Camboya, durante el régimen de los Jemeres rojos. Estas imágenes, aunque surgieron del vil intento de organizar el asesinato masivo, constituyen los últimos registros en vida de cada persona, antes de ser ejecutadas en la cárcel.

Marcelo Braga, ‘In the Place of Men’, 2014, 3’21”
Toda innovación se encuentra con oposición -no obstante, el hambre sigue satisfaciéndose sin el conocimiento exacto de qué tipo de hambre es. Un vídeo que retrata los libros como alimentos.

Kika Nicolela, ‘Passenger’, 2007, 4’55”
‘Passenger’ se rodó dentro de un autobús de camino a París y testimonia el efecto del anochecer y de la lluvia en un paisaje en movimiento y borroso. Los colores y las formas compuestos por la combinación de luz y de movimiento de la cámara de baja resolución evocan un viaje único a través de una tierra imaginada.

Angella Conte, ‘Silêncio’, 2015, 1’56”
Este trabajo se desarrolla a partir de una secuencia en vídeo que retrata una estructura arquitectónica urbana cubierta por la vegetación. Las ramas y raíces invaden las barandillas, vallas, ventanas, puertas y paredes, como si se tratara de una respuesta de la naturaleza a la acción del hombre, una especie de protesta silenciosa por la libertad y la vida.

Alexandre Brandão, ‘Between My Hands’, 2010, 3’40”
El video se basa en el clásico juego de manos ‘Piedra, papel, tijera’, que protagoniza un único jugador manipulando dibujos. El duelo tradicional donde cualquier cosa tiene el poder de vencer o ser derrotado por otra, se transforma gradualmente a medida que nuevos objetos imprevistos se cuelan en el juego, donde la velocidad reta a la memoria.

Dellani Lima, ‘É Início da Primavera e Ainda Penso no Inverno’, 2013, 3′
Un collage en video poético de las manifestaciones de junio de 2013, y de otros eventos del pasado reciente, en Brasil.

Giselle Beiguelman, ‘Cinema Lascado #2 – Perimetral’, 2014, 3′
El proyecto Cinema Lascado intenta otear paisajes urbanos en movimiento. El resultado es una serie de secuencias que deconstruyen el espacio para recrearlo como ruido visual, revisitando la noción surrealista de ‘belleza convulsa’ y la estética del glitch. ‘Cinema Lascado’ mezcla técnicas de alta y baja tecnología, lo sórdido y lo sublime, por medio de combinar vídeo en HD con las técnicas del GIF animado. De manera intermitente, juega con la saturación y la supresión para reconstruir la percepción de los alrededores de la ciudad, de lo nuevo y lo viejo, el arriba y abajo, la herramienta y el artefacto.

Eder Santos, ‘Smoke Piece’, 2015, 8′
El cielo no está solo sobre nuestras cabezas. Se expande en el espacio hasta alcanzar la Tierra. Cada vez que levantamos el pie del suelo, andamos en el cielo. En un área llena de humo, cierra los ojos y velo todo.

EXPOSICIÓN _ Parte 2: ‘Sounds From The South Images’

 

La exposición reúne piezas de vídeo recientes que expanden la noción básica de banda sonora cinematográfica, en una colección de imágenes orientada geográficamente en el hemisferio sur. Usando distintas técnicas de grabación, procesos de montaje inusuales y herramientas programables, estira la forma de entender la información sonora, en una perspectiva cultural y subjetiva.

ARTISTAS

Fernando Velazquez, ‘Mindscapes #9 After Cajal’, 2013, 4′
Una obra audiovisual experimental que pretende estrechar la relación entre la naturaleza y la cultura, señalando la unión entre nuestro aparato sensorial y el significado cultural que le damos a los inputs externos, en este caso, el territorio y la velocidad. Se realizó en tiempo real, por medio de un algoritmo generativo que mezcla imágenes tomadas en la frontera entre Brasil y Uruguay.

Yudi Rafael, ‘Sem título’, 2014, 3′
El ruido producido por una sola persona se multiplica en la pantalla, en una especie de narrativa posible. Las acciones, sin embargo, no están conectadas sino fragmentadas en una repetición diaria inacabable.

Henrique Roscoe / HOL, ‘Infinite Symphony’, 2013, 4′ 40″
Sinfonía inspirada por la escala de Sheppard. Ilusiones audiovisuales

Lu Nunes, ‘Breath’, 2013, 5’20”
En un cuadrado negro o luminoso, la vida vive, la vida sueña, la vida lucha. ‘Breath’ retrata cómo vive la gente en las grandes ciudades a través de la mirada de una cámara fija instalada en un edificio del centro de São Paulo, Brasil, durante 24 horas. Podemos ver cómo la gente vive en espacios delimitados por diminutos bloques de cemento y, al mismo tiempo, imaginamos las historias que esconden esos personajes anónimos.

Luana Fortes, ‘Misophonia’, 2014, 3′
Combinación de 16 vídeos cortos de acciones y sonidos repetitivos. Cada uno de ellos retrata una situación particular que le causa incomodidad a la artista en su rutina diaria. Por ese motivo, la unión de todos ellos configura una atmósfera incómoda que representa la angustia que una de esas simples situaciones puede provocarle a una persona que sufre de misofonía.

Giselle Beiguelman, ‘CGH – SDU Homage to Minimal Information’, 2010, 5′
En este vídeo, el paisaje se reduce a sus elementos informativos mínimos –los colores y sonidos dominantes-, convirtiendo el movimiento en un flujo de texturas y volúmenes modulados por la luz. Grabado con una cámara Flip Video durante los despegues y aterrizajes en los aeropuertos urbanos de São Paulo -Congonhas, CGH- y Rio de Janeiro -Santos Dumont, SDU- en un día de julio de 2010.

 

alt [AV] es una plataforma que tiene como objetivo promover los formatos audiovisuales alternativos, experimentales y expandidos, creada por un colectivo de artistas, desarrolladores y productores culturales brasileños.

La exposición está comisariada por Lucas Bambozzi

Producido y organizado por Demetrio Portugal

Con el apoyo de:

- SP Cine

- Prefeitura de São Paulo

- Select Magazine (Paula Alzugaray)

- FAU-USP – Universidade de São Paulo

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FoodCultura Satellite Boqueria | Mercat de la Boqueria Parada # 437- 438

Sin categorizar

May 25, 2015

Barcelona Gran Menú

Antoni Miralda, ‘Barcelona Gran Menú’, 1984

28 May – 06 June

Mercat de la Boqueria

A project by LOOP Barcelona and FoodCultura

[What about collecting Video Art?]

Horarios:
28 May: 16:30 – 19:30
29 May – 6 June: 11 – 14h; 16:30 – 19:30
31 May and 1 June: closed

Según su Manifiesto, FoodCultura es “un mercado y un estomago, un archivo y una boca, un centro de intercambio y un cerebro, un laboratorio y una lengua”.  Partiendo de esta definición FoodCultura está presente en el centro mismo del emblemático Mercado de la Boquería como vitrina de saberes y sabores, cuya misión es crear vínculos y colaboraciones, informar y presentar actividades como en esta ocasión con Loop y su propuesta de vincular obras soportadas en formato de vídeo, filme o imagen en movimiento, y colecciones particulares.

PROGRAMME

Malia Jensen. Salty, 2010, 13’04”

El video muestra una escultura con la forma de un seno femenino realizado con sal, ubicada en un prado donde las vacas compiten por el deseo de lamerla.La obra documenta una serie de reacciones de las vacas, incluyendo la propia competencia, protección, y hasta un estado muy humano de excitación.
Colección Daniel Moquay.

Antoni Miralda. Barcelona Gran Menú, 1984, 65’. Con la colaboración de Benet Rosell

Un viaje FoodCultura a través de Barcelona, sus restaurantes, bares, mercados y museos.
Colección Archivo Foodcultura

Teresa Serrano. 15 minutos, 15’

La obra evoca una frase clave del pop: en el futuro cada uno será famoso durante quince minutos. En 15 minutos la artista presenta un juego semántico que retrata el tiempo real necesario para quemar un icono de producción masiva que se ha vaciado de su sustancia, dejando nada más que una marca quemada en una olla.
Colección privada.

Shahar Marcus and Nezaket Ekici, Salt and Dinner, 3’19” min, single channel video, 2012. Cortesía: Galila Barzilai Hollander collection.

Salt and Dinner es un vídeo-performance, resultado de la colaboración de los artistas Nezaket Ekici y Shahar Marcus. El vídeo explora con ironía el simbolismo y las conexiones entre el tiempo, el espacio, la cultura y el ritual. En la performance ambos artistas comparten una mesa en las aguas del Mar Muerto conocido también como Salt Sea.

Shahar Marcus

The bunker, single channel pal video. 2008, 2’00” min. Cortesía: The artist and Braverman Gallery.
The boxer, single channel video,2008, 3’16”. Cortesía: Galila Barzilai Hollander collection.

The Boxer y The Bunker son dos vídeos de Shahar Marcus que formaban parte de la vídeo instalación Bread & Bunker presentada en la Galeria GDK en Berlin el 2007. La exposición se refería a la guerra como el círculo caníbal interminable donde los seres humanos son tanto el combustible como sus generadores. La instalación realizada con 1.500 panes y cinco vídeos marcaba irónicamente los paralelos dramáticos entre la nutrición y la violencia. En el vídeo The Bunker el artista se esconde él mismo en un búnker construido de ladrillos de pan, y en The Boxer Marcus se pelea amasando 100 kilos de masa.

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Miquel García - Còpia

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UMVA Screen 2015 | Video works

Sin categorizar, workshops

May 25, 2015

31 May – 7 June 2015

La Salle Campus Barcelona

Artistas: Pau Faus, Miquel García y Domènec
Coordinado por Leandro Madrazo

Taller organizado por La Salle Arquitectura – Unitat Mòbil de Vídeo Arquitectura [UMVA] en colaboración con LOOP Barcelona

UMVA- UNIDAD MÓVIL DE VÍDEO ARQUITECTURA

LOS PROCESOS DE TRANSFORMACIÓN EN LA PERIFERIA DE LA CIUDAD

La cuarta edición del programa UMVA, una iniciativa conjunta de la Escuela de Arquitectura La Salle y el Screen Festival de Barcelona, estará dedicada a analizar las transformaciones de tres barrios periféricos de la ciudad de Barcelona: Trinitat Nova, Bon Pastor y Plus Ultra. Desde principios del siglo pasado, estos tres barrios han estado sujetos a continuas transformaciones que han transformado su estructura física en repetidas ocasiones –como es el caso de Trinitat Nova y Bon Pastor- o la han conservado a pesar de los cambios de la estructura urbana que los rodea – como en Plus Ultra. A pesar de las transformaciones, y de su progresiva incorporación a la estructura urbana de la ciudad, los tres barrios conservan su carácter periférico que se manifiesta especialmente en la percepción que tienen sus habitantes de los espacios que habitan.

En el marco de la asignatura SDR Sistemas de Representación, los estudiantes de arquitectura llevarán a cabo un trabajo de análisis de estos barrios, con el objetivo de explorar los usos del espacio en sus diversas escalas, la construcción del valor simbólico del espacio habitado, y los procesos de creación de una identidad colectiva ligada al sentido del lugar. Se trata de analizar las múltiples dimensiones del espacio, desde tres perspectivas:

  • El espacio en la gente: las memorias y vivencias, la experiencia del espacio, narrada por los propios protagonistas recogidas en entrevistas e historias, narradas y documentadas en vídeos.
  • La gente en el espacio: atender a la interacción de las personas en el espacio que habitan, y al que dotan de significado con el uso que hacen del mismo, comprender y representar las maneras en que los distintos usos configuran y estructuran el espacio.
  • La forma del espacio: comprender la morfología del espacio, los elementos físicos y formales que lo definen; reproducir la forma del espacio que resulta a partir de las secuencias de movimientos a través de él, sus flujos y velocidades.

El análisis de los espacios en cada barrio se lleva a cabo en diversas etapas, distribuidas en seis semanas:

  • Consiste en presentar en un documento (pdf o powerpoint) las indagaciones recogidas a partir de las informaciones facilitadas por representantes de las entidades y asociaciones vinculadas al barrio, obtenidas a partir de fuentes documentales y a través del contacto personal con los espacios y las personas que lo habitan.
  • Tras el contacto con los diversos representantes del barrio, se analiza la información recogida por los distintos grupos de estudiantes conjuntamente con los artistas que ejercen de tutores. Se identifican los temas y los materiales a partir de los cuales se llevará a cabo un análisis utilizando el vídeo como técnica de representación y comunicación.
  • Se trata de realizar un vídeo que desarrolle alguno de los temas de estudio identificados previamente, que aborde algunos de los componentes que intervienen en la construcción simbólica y colectiva del espacio público como el espacio percibido, el espacio imaginado, el espacio edificado, el espacio narrado o el espacio de interrelaciones, entre otros.

Los trabajos se realizan en equipos dirigidos por artistas que emplean el vídeo como medio de creación. En la presente edición, los tres artistas que colaboran en la docencia junto con los profesores de la asignatura SDR son Miquel Garcia, Pau Faus y Domènec.

Mayor información: UMVA project

VIDEOS PRODUCIDOS DURANTE  EL TALLER 2015

El Milagro de Lola

DESHABITAR, Cases Barates de Bon Pastor

¿Qué te reporta venir a la Societat Ocellaire?

Una mañana en el Bon Pastor

Memorias del pastor

Una visita lejana – Ateneu 9 Barris – Trinitat Nova

10.270 Km Plus Ultra

Informació Plus

Barrio Plus Ultra
Interior / Exterior Plus Ultra

Para mayor información de los vídeo producidos en 2014

 

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La musique regardée: Art and Cinema | Filmoteca de Catalunya

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May 22, 2015

29 – 30 Mayo 2015

Filmoteca de Catalunya

‘La musique regardée: Art and Cinema’

Una propuesta de: Pascale Cassagnau –CNAP- y Anne-Laure Chamboissier

En el marco de LOOP 2015

[Beyond the Image: Sound]

Las historias paralelas y compartidas del arte moderno y contemporáneo –con la fotografía, el cine, el vídeo y la televisión- han estado siempre entretejidas, poniendo el arte bajo la mirada de la cámara, con sus requisitos temporales. Recuérdese por ejemplo, el importante encuentro entre el cine y el arte en el documental sobre el arte moderno, realizado en 1966 por Brian de Palma, ‘The Responsive Eye’. Preparar un programa de films sobre arte contemporáneo, entendido en su contexto más amplio, implica el encuentro de temáticas, campos y áreas de expresión destinados a poner en valor el rol del arte. Desde esta perspectiva, los encuentros entre la música y el cine definen un escenario rico en obras inusuales. Los films seleccionadas de Romain Kronenberg, Ange Leccia y Cédric Eymenier dan testimonio de la riqueza y diversidad de su obra cinematográfica y abordan las problemáticas de la banda sonora de maneras diferentes.

 

PROGRAMA

 
29 Mayo, 19:30h 

Ange Leccia, A Perfect Day2007, 62’
Todas las películas de Ange Leccia responden a una lógica de grabación que es particular al videoclip –ese tipo de ‘banda sonora de la vida’, como lo propone Peter Szendy en ‘Tubes’. ‘Un día perfecto’ es un montaje, -una reconstrucción de un conjunto de clips-, secuencias filmadas durante años y ahora revisitadas. A su vez, la película levanta una segunda memoria, una especie de capa temporal que destaca los efectos de la nostalgia y el recuerdo relacionados con la escucha de discos. Una secuencia incluye ‘Avec le temps’ de Alain Bashung, una nueva versión de la canción de Léo Ferré. Otra secuencia incluye la canción de Elie Medeiros, que acompaña una larga toma de un paisaje corso filmado por la noche. Esta canción, al lado del paisaje vago y oscuro parece ser el recuerdo de otro tiempo: sonido e imagen forman una estructura que hace referencia a la memoria de otras épocas, provocando un efecto melancólico, propio de cualquier éxito musical escuchado.

30 May, 19:30h 

Romain Kronenberg. ‘So Long After Sunset and So Far From Dawn’, 2014, 8′

Kronenberg realizó este vídeo en el 2014 en Turquía. La obra se plantea como un vis a vis entre una ciudad abandonada en la frontera con Armenia, y otra ciudad, también vacía pero en proceso de construcción, en la frontera con Siria. Lo viejo y lo nuevo, el pasado y el futuro se proyectan en el presente incierto de ambos territorios.

Romain Kronenberg, Marcher puis disparaître, in association with Benjamin Graindorge, 2014, 43’
El músico y cineasta Romain Kronenberg organiza su obra en torno a la imagen y el sonido. La música que compone ocupa un lugar crucial en sus películas. La película ‘Marcher puis disparaitre’ describe la trayectoria de un hombre que, viniendo de lejos, se introduce en la rutina diaria de un pequeño pueblo de Turquía, observando las costumbres y los lugares al amanecer: una cafetería, la antigua mezquita, y las calles que se despiertan…

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NOISE – Ruta del Gótico | Estudio Nómada

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May 21, 2015

Estudio Nómada, 'Noise'

Estudio Nómada, ‘Noise’

29 mayo – visita guiada | 30 mayo – visita libre

19:30 – 22 h.

Punto de encuentro: Estudio Nómada [Palma de Sant Just, 7]

 

Estudio Nómada es un complejo internacional de trabajo, aprendizaje y exposición para artistas trotamundos. Un palacio de ciudad histórico es adecuado como espacios de estudio y área de exposición. El grupo de artistas que se establece aquí, guía a los estudiantes de arte y organiza y se une a los eventos culturales en el centro de Barcelona. En 2014, Estudio Nómada abrió una residencia artística en una finca de vino fuera de Barcelona para artistas contemporáneos, para desarrollar su trabajo con un enfoque completo.

Noise es el hilo conductor de la ruta comisariada por Arnout Krediet, que este año involucra a 9 sedes ubicadas en barrio del Gótico de Barcelona. Los espacios que participan abren sus puertas al público para mostrar obras internacionales de video arte que giran en torno a uno de los focos del Festival: ‘Beyond the Images: Sound’ – o en este caso ‘Ruido’

Ruido: sonido alto, de tipo agresivo, no armónico, discordante o confuso; una perturbación en un sistema de comunicación que interfiere con, o evita la recepción de la información; hechos extraños, irrelevantes o sin sentido.

 

Sedes:

Estudio Nómada [c/ Palma de Sant Just, 7] No8  [c/ Lledó, 8] Colectivo Salón [c/ Ciutat, 11] Base Elements [c/ del Palau, 6] Gallery Painting Route [c/ Lledó, 17] La Finestra studio [Baixada de Viladecols, 2] Ndorfina [Baixada de Viladecols, 3] Pati Llimona [C/ del Regomir, 3] DrapArt [c/ Groc, 1]

 

Artistas:

Moises Pellerano (Republica dominicana)
Felipe Vargani (Brasil)
UB Morgan (US)
Francois Quevillon (Canada)
Azulpetroleo (Brasil)
Rob Santaguida (Canada)
Gabriel Lecup (France)
Charla Wood (US)
Marije van den Houten (Netherlands)
Lotte Dijkstra (Netherlands)
Duncan Sumter (Netherlands)
Bahar Gultepe (Turkey)
Sue Buckingham (UK)
Lenka Vanek (US)
Jack O’Connor (US)
Tim Bujwid Hugosson (Sweden)
Jacqueline Klaver (Netherlands)
Judith Mebert (Germany)
Mariane Paoletti (Italy)
Monica Tolia (US)
Barbara Zach (Poland)

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Muerte Cortés | Llibreria Calders

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May 21, 2015

28 mayo – 6 junio

Llibrería Calders

Colectivo Medievo

[Beyond the Images: Sound]

 

Era tan joven y tan inocente que dije sí, a todo. Hablabas tan bien y parecías preocuparte tanto por todos nosotros que puse tu retrato enmarcado encima del televisor. Y te daba las buenas noches para agradecerte todo lo que habías hecho por nosotros, y cuando mi marido no estaba en casa te besaba a escondidas porque, además, eras tan atractivo. Que se abran las fronteras y que entren todos los paquetes por la puerta de atrás. Este es el mejor país para hacerse rico. Y ahora sólo vosotros sois los ricos. Ya no nos creemos nada. Esa mujer treinta años más joven que tú te hace masajes en alta mar mientras fumas puros. Disparas a los animales salvajes y te echas a dormir. Sales del coche y entras al juzgado, sales del juzgado y entras al coche. Y ahora vuestros retratos de héroes de la transición están al lado de los contenedores. Y nadie los toca. Ni para reciclar los marcos.

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Comment ça va? II | Zumzeig Cinema

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May 21, 2015

7 de junio 2015 19h – 23h

Zumzeig Cinema

Comisariado por Pascale Cassagnau, François Bonenfant y Pascale Pronnier

Un proyecto de LOOP Barcelona en colaboración con Zumzeig Cinema, CNAP and Le Fresnoy

“Una de las condiciones del proceso de toma de decisiones en medio de la multitud es el no solo ‘estar con’ sino ‘hacer con’ los demás, lo cual constituye un proceso de aprendizaje de la toma de decisiones. Y, de este modo, se hace necesario tomar otra decisión: cuando el ‘endeudado’ decide no pagar su deuda; el ‘retransmitido’ decide escapar al control y a las mentiras de los medios; cuando el ‘asegurado’ decide dejar de ser invisible y de tener miedo; y cuando el ‘representado’ rechaza ser representado por representantes. El convertirse, así, en un sujeto político, autónomo y participativo requiere un salto de lo individual a lo colectivo, y esa decisión debe ser a la vez individual y comunitaria”.

Michael Hardt y Antonio Negri, ‘Déclaration. Ceci n’est pas un manifeste’

Ya sea en el campo artístico o en el literario, Gertrud Stein, Truman Capote, James Ellroy, Don DeLillo o el cineasta poligráfico Arnaud des Paillères, ‘la biografía de cualquiera’ experimenta una reflexión de los archivos públicos y vernáculos que se convierten en una manera de escribir, documentando tanto la historia narrativa como el espacio de la obra.

Aquello que los films de Chris Marker, Lionel Rogosin, Pere Portabella, Pier Paolo Pasolini o Tariq Teguia expresan –films documentales y documentados- es su capacidad de atravesar la historia, de apoderarse de la verdad y de la realidad, no como aspiraciones últimas sino más bien como herramientas, formas para iniciar un viaje, una trayectoria, un camino por geografías políticas complejas. A su vez, estos trabajos determinan un proceso de lectura y desciframiento lento, poniendo en perspectiva todo el corpus descriptivo que disuelve la materia documental, cuestionando así la auténtica naturaleza de lo ‘fílmico’. Los ensayos documentales consisten en un detallado análisis, provocando una auténtica propedéutica de la mirada y la posibilidad de una crítica. Los films de ficción, documentales, films de artistas y numerosas obras fílmicas contemporáneas le proponen un interrogante a la representación, la pregunta sobre el estatus de lo que es real dentro de la historia narrativa, situando de forma no lineal los elementos fílmicos, más allá de las estructuras estrictamente narrativas.

PROGRAMA

 
7 June, 19.00h 

Daphné Hérétakis, Archipels, Granités dénudés, 2014, 25′

La película de Daphne Hérétakis es un diario que refleja la historia reciente de Grecia, a través del retrato de una ciudad, Atenas en 2014. Destinos singulares e historias colectivas se manifiestan de una manera sutil mezclando diálogos y voces.

 

Benjamin Crotty, Fort Buchanan, 2014, 65’

Fort Buchanan es la historia imaginaria de una guerra en el Medio Oriente al lado de Djibouti, narrada por los compañeros y las familias de los soldados en forma de una vigilia y una epopeya de un día caótico. La pintura de esta comunidad abigarrada se desarrolla en una mezcla de géneros de la moda y la difuminación de las identidades de género.

7 de junio, 21:00h

-Miguel Gomes, Rédemption, 2013, 26′

A partir de un montaje rapsódico de imágenes ‘found footage’ Redemption cuenta la historia de la segunda mitad del siglo XX a través de las historias de cuatro personajes; un portugués, un italiano, un francés organizadas en un rompecabezas.

-Benjamin Naishtat, Historia del miedo, 2014, 1h 19’

‘Historia del miedo’ sucede en un ‘no-lugar’ de unos suburbios en Argentina y pone en escena la vida diaria de los miembros de una familia sin peculiaridad alguna. registros de sus días ordinarios, bajo la forma de una paranoia sin cara ni causa, forman una estructura fragmentaria y repetitiva que multiplica sutilmente las hipótesis de la historia.

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Urban Gallery en Loop 2015 | Urban Gallery

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May 20, 2015

28 mayo – 6 junio

Urban Gallery

Comisariado por Belen Urban

 

La propuesta de Urban Gallery analiza la variedad de interrelaciones que existen entre sonido e imagen, desde la perspectiva de seis artistas: Balanza, Mit Borrás, Clemente Calvo, Salvador Herrera, Enric Maurí e Inma Parra.

Un análisis minucioso que abarca desde el silencio, la manipulación musical, la voz, hasta la creación de sonidos tecnológicos.

Así encontramos una escultura realizada a base de sonidos con Balanza, sonido de agotamiento con Mit Borrás, colaboración musical con Clemente Calvo, uso de poder con Salvador Herrera, un mundo sin sonido con Enric Maurí y paradojas inaudibles con Inma Parra.

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3 videos. Bernat Daviu i Bruno Ollé | The Laboratory

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May 20, 2015

28 mayo – 6 junio

The Laboratory

[Collecting]

Pase con los artistas
2 junio
19:30 h.

Tres Videos. Bernat Daviu y Bruno Ollé, es la primera muestra fruto de un nuevo proyecto que quiere posicionarse como espacio abierto a nuevas propuestas. Ambos artistas plásticos, nos muestran su faceta videográfica.

Bernat Daviu, en la primera pieza, reflexiona acerca del devenir de los experimentos utópicos del arte ruso, a través de una oliva rellena de pimiento o tal vez de anchoa y en la segunda, relata el pasado vanguardista de un objeto popular a través de una truculenta historia de amor. Ambas piezas seriamente irónicas proponen una visión distendida de grandes temas.

Por otro lado, Bruno Ollé, presenta la pieza Redestinar, una reflexión acerca la forma y el contenido del deshecho y la carga emocional que reside en ellos.

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Basim Magdy | The Green Parrot

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May 20, 2015

3 junio – 18 septiembre

The Green Parrot

Comisariado por João Laia and Rosa Lleó

Inauguración 5 junio, 19:30 h.

[Collecting]

 

El trabajo fílmico de Basim Magdy analiza los medios de representación contemporáneos. La tonalidad onírica de su trabajo, que surge de múltiples capas, se combina con misteriosas bandas sonoras y una manipulación de la imagen a través de filtros, colores, efectos y texturas de calidad caleidoscópica.

Similar a una experiencia alucinógena, estos inesperados efectos redefinen los sueños utópicos de la modernidad y establecen lo que Lars Bang Larsen describe como una relación íntima e informe con el tiempo y con el espacio.

Contrariamente a la lectura tradicional de la psicodelia como un movimiento de evasión, las caleidoscópicas imágenes de Magdy proponen formas efímeras y temporalidades extrañas que sirven para unir los impulsos subjetivos con los espacios sociales, buscando maneras de volver a imaginar la historia.

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